Poezibao

Une rencontre avec Michel Butor, Paris, le 12 novembre (compte-rendu)

 

 

De nouveau une passionnante séance dans l’auditorium du Petit Palais, à Paris, sous l’égide de Sylvie Gouttebaron et de la Maison des Écrivains. Autour de Michel Butor, avec Catherine Flohic qui a édité tout récemment dans sa collection Les Singuliers (Éditions Argol) un Michel Butor, rencontre avec Roger-Michel Allemand et donc Roger Michel-Allemand. La première demi-heure est consacrée à un film de François Flohic, tourné à  l’Écart, la maison de Michel Butor en Haute-Savoie. Belles atmosphères, un Butor intime et simple, des lumières très naturelles, des gros plans de Michel Butor, la barbe foisonnante et blanche et l’œil qui pétille. Petit compte rendu au fil de la projection et de l’entretien. 

Un monument marginal
A la question « Michel Butor, est-ce un bon écrivain ? », Butor répond qu’il est un « monument marginal », qu’il a lancé des idées dont certaines ont fructifié, des semences et que « ça germe ». Il se dit aussi professeur d’ignorance, quelqu’un qui s’aperçoit qu’on ignore un certain nombre de choses. A tel endroit, dit-il, il y a des choses qu’on ne sait pas.

L’improvisation
Il improvise toujours ses cours et conférences, ce qui l’entraîne dans une sorte d’invention permanente. [Il semble en effet improviser mais avec une très grande cohérence et une suite parfaite des idées et fait preuve tout au long de la soirée de beaucoup d’humour et de distance simple par rapport à lui-même].

Une journée de Michel Butor
Le film raconte une journée de travail, et il y est question aussi des fameux carnets jaunes, quatre par an en moyenne précise-t-il. Dans lesquels il brouillonne. Chaque texte, souvent né là, aura ensuite de multiples versions : « sous chaque page, dix pages couvertes de ratures ». Il parle de l’ordinateur, qu’il pratique disant qu’il lui permet de travailler encore plus qu’avant sur ses textes. Il pense même que la langue va évoluer plus vite grâce à l’ordinateur. En vacances à Hendaye, l’été, il n’a pas d’ordinateur et cela lui manque   : « quand je serai grand, j’aurai un portable, pour mes 90 ans peut-être ? ». [il précisera un peu plus tard, dans l’échange,  que désormais, il a bel et bien un ordinateur portable offert par des amis pour le remercier de sa participation en tant que récitant à une œuvre de Pousseur).

Le jugement
 « Bon, pas bon, ce n’est pas ça qui est important, ce qui est important c’est de savoir si ça déclenche quelque chose en moi. C’est ça qui me fait écrire » Il rapporte une anecdote à propos de Venise et de la basilique St Marc où il n’osait pas entrer après avoir écrit son livre Description de San Marco, il lui faudra alors trois jours pour y parvenir et constater alors avec soulagement que la basilique l’accepte, qu’elle lui pardonne (il prononce le mot acquiescement, à propos de son travail avec des peintres disparus, le sentiment qu’ils acceptent, pardonnent son travail).

Autobiographique ?
Il se décrit aussi en riant un peu comme « le grand père de la littérature française, une sorte de Victor Hugo). » Il parle aussi d’effacement, qu’il n’a pas envie de parler de lui pour parler de lui, mais des autres, des choses, de la réalité. Mais que pour préciser son point de vue, il est amené à parler de  lui, de ses voyages, en « fragments autobiographiques », faits en réalité pour aider à voir autre chose, en une sorte d’effet de triangulation, s’effacer pour faire voir le reste. Il souligne aussi que selon lui l’écrivain n’est par narcissique, mais qu’il est inquiet de ce qu’il écrit. Et qu’on ne peut pas répondre à la question « êtes-vous un bon écrivain », c’est aux autres et aux autres seuls de le dire. 

Le poète
Il a écrit beaucoup de poésie quand il était très jeune. Puis lors de l’écriture de ses romans, il se l’est interdit, pour garder pour le roman toute l’énergie poétique. Puis il y est revenu par le biais de livres avec des artistes, mais sans savoir si c’était de la poésie, car là aussi il pense que c’est aux autres de le dire. Il cite Chesterton qui aurait parlé des trois vocations qui ne peuvent se désigner elles-mêmes : le sage, le saint et le poète.

« Traversé »
Il revient sur la notion d’impromptu, d’imprévisibilité, qui permet la surprise de la découverte « l’imprévu, aussi poussée que soit la programmation, est toujours là, le texte m’échappe, c’est en cela qu’il est  mien, qu’il me rend moi-même ». Il se dit « traversé » par quelque chose et que c’est cela qui le fait vivre. « Il y a des choses que je ne sais pas comment dire, c’est pour cela que j’écris » ; « nous ne savons pas nommer, décrire par exemple les crises économiques ». Il faut devenir capable de nommer les phénomènes nouveaux, il y a partout des choses dont nous ne sommes pas capables de parler, cela demande un effort gigantesque que seuls peuvent mener quelques artistes, quelques écrivains. Ils perturbent alors le langage qui essaie de cacher ses lacunes et qu’ils se mettent à déchirer, ils arrachent les pansements, les voiles. C’est un effort interminable mais c’est aux autres de dire s’il a révélé certaines blessures. Il ne peut dire si les textes sont réussis, lui il les travaille jusqu’à ce qu’il ne puisse pas aller plus loin et alors il les propose aux autres pour qu’eux puissent aller plus loin. 

Écriture, un suicide positif
Roger-Michel Allemand l’interroge sur sa formule selon laquelle l’écriture est un suicide positif. Michel Butor explique que l’on sent bien que quelque chose ne marche pas dans la société et qu’on est soi-même un problème. Qu’il y a une opposition entre soi et les autres et que cette antinomie, certains ne peuvent la supporter et se suppriment. L’écrivain selon lui peut  tenter d’assumer le malheur collectif au lieu de se supprimer ; on peut essayer de transformer la réalité, en construisant des maisons, en peignant, en écrivant des livres avec inventions stylistiques et littéraires pour parler de ce dont on ne pouvait pas parler auparavant. Au lieu de supprimer le caractère individuel de la différence, on s’efforce de l’effacer dans son ensemble et le malheur de l’un devient le bonheur des autres.Rimbaud aurait pu se supprimer et le voyage au Harrar est un équivalent du suicide, effacement exemplaire (mais Verlaine a publié Rimbaud, empêchant que le drame de Rimbaud se répète). Il faut à la fois un don et de la chance pour opérer cette transformation, avant tout par le langage (mais pas détaché des autres activités de l’esprit et humaines). 

Loin de Paris
Roger-Michel Allemand l’interroge sur son départ de Paris et Michel Butor explique qu’il est parti enseigner en Égypte. Il se dit un peu égyptien, anglais, américain et même japonais, c’est comme ça qu’il a pu survivre et continuer à agir. Il pense qu’il n’était pas plus malheureux qu’un autre mais portait une fissure intérieure. Il se heurtait à des obstacles qu’il n’avait pas imaginés et il a trouvé la solution dans l’écriture. Et le voyage, pour prendre de la distance par rapport à celui qu’il était à Paris. Quelque chose ne pouvait pas rester tel, il fallait mettre une distance.
« J’écrirai encore beaucoup de petits livres », dit-il ensuite car il y a encore des choses qui ne sont pas éclaircies.

Des renaissances et de la mort
Il parle aussi de ces livres qui sont des matrices, des machines à l’intérieur desquelles renaître, comme le fit Proust. Proust qui disait de son œuvre qu’elle n’était pas seulement une cathédrale mais aussi une robe. Michel Butor montre que la liaison de ces deux éléments donne à l’image un côté éminemment maternel. Le thème de la renaissance est très important, il ne s’agit pas seulement de se faire renaître soi-même mais aussi tous les autres. Il y a aussi une contemplation de la mort et il fait remarquer que dans tous ses livres, il y a, apparent ou plus caché, un crâne, comme dans les Vanités peintes. La méditation sur la mort est toujours présente. Il y a une fraternité avec les mots. Avec l’artiste mort « ce que je fais avec lui le ranime », opération dangereuse et difficile « il faut que j’ai le sentiment qu’il me pardonne, qu’il m’approuve si possible ». Comme la basilique vénitienne !
Le rêve
Il aborde le rêve, montrant que la plupart de nos rêves sont plus ou moins des cauchemars, intégrant ce que nous avons refoulé (par exemple dans son cas le trac, omniprésent que ce soit en classe, en amphi et qui disparaît quand il « plonge » mais qui lui vaut le rêve récurrent de la ″conférence catastrophique″ !). Il parle aussi du très grand rôle du rêve dans la création, avec l’anecdote de Dürer disant d’une somptueuse aquarelle que c’était le rêve qui la lui avait donnée. Il fait remarquer aussi que le rêve se refuse au langage et que tous les refoulements qui l’ont amené se réveillent dès qu’on tente de le dire. Il faut selon lui réussir à marier l’enfer et le paradis du rêve. Transformer le malheur du rêve en bonheur d’autrui [noter que c’est au moins la troisième fois dans la soirée qu’il parle de cette alchimie-là, transformer du malheur en bonheur).

L’ordinateur et le banquier
Le marginal qu’est l’écrivain est central dans la société, car il renverse les valeurs de cette société (il s’agit ici non pas des valeurs dites mais de celles réellement transmises comme aujourd’hui la compétitivité, l’avidité, etc.)
Il terminera en véritable feu d’artifice, sur l’ordinateur et les banquiers. L’ordinateur n’est pas fait pour les banquiers mais pour les écrivains. Les banquiers avec l’ordinateur ont fait entrer le loup dans la bergerie, ce sont les écrivains qui savent s’en servir et ce sera la fin du règne d’un certain type de banques. Les ordinateurs sont en fait entièrement dédiés à la découverte scientifique et littéraire et « l’ordinateur est fait pour la littérature ».

Ce qui retient particulièrement dans cette libre et belle conversation avec Michel Butor, c’est à la fois la profondeur de ses vues, parfois presque prophétiques, le sens de la responsabilité et du pouvoir de l’écriture, mais aussi son parfait enracinement, quelque marginal ou à l’écart qu’il soit, dans la société et dans son temps, la connaissance qu’il en a et même dans leurs développements technologiques puisqu’il se sert (même s’il dit le faire a minima) d’un ordinateur et qu’il rêve du jour où on pourra lire dans le métro sur de petits écrans annotables » !!!!

Compte rendu de Florence Trocmé
Photos ©florence trocmé, de haut en bas, Roger-Michel Allemand et Michel Butor ; Catherine Flohic et Sylvie Gouttebaron, un extrait du film de François Flohic avec gros plan sur un carnet de l'écrivain et plusieurs portraits de Michel Butor

Rappel, Michel Butor, rencontre avec Roger-Michel Allemand, coll. les Singuliers, Éditions Argol, 2009, avec un DVD (le film de François Flohic dont il est question ici), 27 €. Sur le site de l’éditeur

 

Caroline Sagot Duvauroux et Jean-Louis Giovannoni à la librairie José Corti, le 7 novembre

 

 

          Il aurait fallu repousser les murs de la librairie José Corti, rue de Médicis, samedi soir. À 20 heures, il devenait difficile d’y entrer ; les tables couvertes de livres avaient pourtant disparu, mais les deux douzaines de chaises installées étaient vraiment insuffisantes et la librairie commençait à ressembler à la cabine d’Une Nuit à l’Opéra — sans les Marx Brothers... On vit la haute taille de Jean-Yves Masson à la porte : il renonça ; il n’a pas été le seul. Fabienne Raphoz et Bertrand Fillaudeau ont dû se demander s’il n’aurait pas fallu organiser la lecture devant leur librairie...

         Caroline Sagot-Duvauroux et Jean-Louis Giovannoni se connaissent bien et n’en sont pas à leur première lecture ensemble. Pour la circonstance, ils avaient préparé leur travail dans l’après-midi : Jean-Louis Giovannoni avait choisi des fragments de plusieurs de ses livres, agencés pour répondre harmonieusement aux extraits du dernier ouvrage récemment paru1 de Caroline Sagot-Duvauroux, Le vent chaule. L’accord inventé était remarquable : on eût dit que les deux poètes lisaient, en alternance, un texte écrit par un seul.

         Et quelle lecture ! Jean-Louis Giovannoni, immobile, jouait de la voix comme un comédien consommé — grave, flûtée, railleuse, étonnée, interrogative... Caroline Sagot-Duvauroux interprétait plus sa partie avec le corps : mobile, avançant et reculant son siège, parfois les mains ébouriffant les cheveux.

       Le public attentif était visiblement heureux de cette complicité efficace entre les deux poètes. Dans un lieu où la poésie est depuis longtemps illustrée, c’était une soirée vivante, vibrante, qui donnait envie de lire et relire les livres de Caroline Sagot-Duvauroux et Jean-Louis Giovannoni.

Récit et photo de Tristan Hordé

---

1 Voir dans l’anthologie de Poezibao du vendredi 6 novembre ; le livre fera prochainement l’objet d’une note de lecture. Les éditions Lettres Vives ont réédité en 2009 des textes introuvables de Jean-Louis Giovannoni,  Ce Lieu que les pierres regardent suivi de Variations, Pas Japonais et L’Invention de l’espace.

Après une lecture de Jean-Louis Giovannoni (le jeudi 1er octobre)

 

 

Impressionnante lecture de Jean-Louis Giovannoni, hier soir, à la Librairie Le Divan, rue de la Convention à Paris.
Lecture bien construite avec une introduction par Gisèle Berkman (directrice de programme au Collège International de Philosophie et spécialiste des écritures de la pensée, du xviii^e au xx^e siècle – tout ceci évidemment très significatif dans le contexte de cette lecture), puis une lecture par le poète, un court débat entre lui et Gisèle Berkman et de nouveau une lecture.
Cette rencontre avait lieu à l’occasion d’une triple parution dont Poezibao a déjà beaucoup parlé : un recueil chez Lettres Vives comportant quatre textes introuvables de Jean-Louis Giovannoni, Ce Lieu que les pierres regardent (1984), Variations à partir d’une phrase de Hölderlin (1989), Pas Japonais (1991) et L’Invention de l’espace (1992), préface de Gisèle Berkman ; une réédition également aux Éditions fissile, Garder le mort et enfin à l’Atelier des Grames, T’es où ? Je te vois !


Gisèle Berkman bat d’emblée en brèche l’idée qu’il y aurait eu une rupture dans l’œuvre de Jean-Louis Giovannoni et que ses livres récents, avec leur hybridation, la démultiplication des voix, le recours à une gamme étendue de registres, seraient très éloignés des premiers textes, comme ce Garder le mort. Elle discerne dès ces premiers écrits publiés, cette même voix qui aujourd’hui propose (proposer, proposition, deux termes auxquels elle va recourir constamment), qui suggère, qui inventorie, qui décante. Elle souligne au passage la beauté des titres du poète et leur « puissance germinative ». Partout elle retrouve cette « dramaturgie de l’interne », l’ici en deux, la scission interne, le chant de l’impossible dedans, auquel J.-L. Giovannoni tente de « faire rendre gorge ». Les textes s’articulent autour des termes intérieur / corps / absence : « on ne caresse jamais / l’intérieur d’un corps » est-il écrit dans Garder le mort. Dès cette première période, la poésie est fondée sur la motricité du mot, son coefficient d’intensité et « tout poème fait des gestes ; ils émettent et font des propositions ». Il s’agit de mouvoir, émouvoir, sentir, parler, bouger. Gisèle Berkman pointe aussi trois thématiques : il y a ces propositions qui sont émises, il y a la question de la position et du lieu qui est interrogée et enfin très présentes, les variations, dans un mouvement jubilatoire de la reprise. La voix du poète est « très singulière, in-localisable, ni lyrique, ni littérale ».
Jean-Louis Giovannoni donne alors lecture intégrale de ce texte très dur et impressionnant qu’est Garder le mort, un texte dont il parlera à la fin de la rencontre pour dire qu’il l’a écrit alors qu’il était devant un « désastre », la disparition de sa mère. Mais rien ici d’un thrène ou d’une élégie ! « Il fait noir / au milieu de la viande », écrit-il dans ce texte de 1974, ou bien « On imagine bien / la mort / commencer par l’anus », ou bien encore « Dans le fond des membres / il y a des moignons //Ils attendent/d’être révélés ». Une écriture donc qui se confronte à la réalité matérielle, la plus brute, la plus physique, de la mort. Un texte lu de façon très forte par le poète. Prenante au vrai sens du mot, qui vous prend.


Viennent ensuite des extraits de Ce lieu que les pierres regardent, 1984, dix ans plus tard, « toujours la surface des mots / et jamais le mot qui emporte », alors que « notre réalité est faite de mots / qui se taisent ». Extraits encore, cette fois de Pas Japonais, de 1991, « notre regard, nos mots sont exactement / ce qu’il faut retirer aux choses / pour qu’elles apparaissent ». Et enfin pour clore cette première partie, le début de L’Invention de l’espace, qui date de 1992 : « aucun corps / n’a droit / au corps de ce qu’il n’est pas. »
Lors d’une courte discussion, la question de la lecture à haute voix est évoquée en premier lieu, et J.-L. Giovannoni raconte comme il a trouvé son actuelle façon de lire, non pas à ses tout débuts de lecteur de sa poésie, mais plus tard, après avoir travaillé avec une chorégraphe, qui lui a permis de « découvrir la voix qu’il cachait ». Qu’il y a dans l’écriture comme dans la lecture un même travail sur les intensités et les charges à l’intérieur du texte. Il va surtout développer l’idée de la tension entre l’interne et l’espace, perçu aussi comme espace de dégagement car « l’interne n’a pas de lieu ». Il y a une perpétuelle relance, aucune position stable n’est possible. Et d’évoquer alors son univers professionnel, qui est celui de la psychiatrie, pour expliquer que souvent chez le malade mental, il n’y a pas de point d’appui. L’écriture est une tentative de trouver « un lieu où ça s’appuie, où je peux m’appuyer et ça n’existe que dans le mouvement psychique ». Mais en même temps, « toute chose posée, si elle n’est pas réanimée, s’enkyste ou pire, devient évidente ». Et c’est là pour lui précisément le travail d’un poète : relancer les mots usés, l’évidence, leur redonner pulpe, chair, mouvement, « réanimer les corps mourants des mots ». Gisèle Berkman souligne à quel point ces textes « touchent à la pensée, mettent en jeu quelque chose de très pensif », elle évoque les deux « traités » écrits par le poète, Le Traité de physique parantale (à propos de Jean-Luc Parant) et Le Traité de la toile cirée, mais constate qu’il n’y a là en rien un corps de doctrine. Jean-Louis Giovannoni explique qu’en effet ce qui le retient chez les philosophes qu’il lit, c’est la « vitesse de propulsion du concept » et ce qu’ils provoquent en lui.
La dernière partie de la rencontre sera dévolue à la lecture intégrale du texte Variations à partir d’une phrase de Friedrich Hölderlin. Cette phrase, la voici : « Tout est un intérieur / et pourtant sépare ». Jean-Louis Giovannoni, qui est fin connaisseur de musique, explique le principe de la variation sur un thème  « je te le perds et en même temps je te le garde » (la dimension d’humour n’est pas absente de cet univers très sombre, comme quelqu’un le soulignera à la fin de la rencontre !). Il insiste aussi sur la notion de mobilité constante du psychisme. Il livrera enfin quelques considérations sur sa façon de travailler : il trouve d’abord le titre, qui est à la fois « un système d’arrimage, une rambarde et en même temps ce qui va le propulser », comme le fit en son temps la phrase d’Hölderlin. Il laisse « faire les mots, les intensités qui se mettent en place ». Il faut, dit-il, « s’autoriser » à laisser parler les voix, jusqu’à la peur si c’est nécessaire. A propos de son livre Traité de la toile cirée, il dira qu’il trouvait ce texte « ignoble »,  qu’il aurait eu besoin de Primpéran tandis qu’il l’écrivait et qu’il a mis des années à le supporter. Qu’avec ce livre, il a « ouvert les vannes » et que « ça s’est emballé » : « soulever l’évidence et ce qui la fonde, ça risque d’attaquer l’unité ».

Contribution et photos de Florence Trocmé
toutes les photos sont agrandissables par simple clic.

Lecture-concert autour de la revue Sarrazine

 

 

La revue Sarrazine¹ organisait, hier samedi 26 septembre, un concert-lecture autour de son dernier numéro paru, le numéro 11,dont le thème était « Peur ».

Elle était accueillie dans le cadre de la Halle Saint Pierre² à Paris, lieu d’effervescence culturel situé à deux pas du fameux marché Saint Pierre, temple du coupon de tissu.

Le programme musical était centré sur des œuvres pour saxophones, interprétées par Anne Lecaplain, saxophone soprano et alto et Nicolas Prost, saxophone ténor et générateur de son WX 5. Les interprètes ont joué des œuvres de Jean-Claude Henry (Récit de sax en taille, en création mondiale), de Jean-Louis Petit, Mark Phillips, Karen Tanaka, Christophe Monniot et Chick Corea. Programme varié et équilibré entre musique contemporaine et jazz.

Paul de Brancion³  (qui anime la revue, avec Catherine Tourné et Marcel Katuchevski) a rappelé que la revue littéraire Sarrazine est avant tout une revue de création et plus encore peut-être d’incitation à la création. La revue aime susciter des textes chez des auteurs qui sont dans un moment où la difficulté d’écrire se manifeste et provoquer ainsi parfois, par la demande d’une contribution sur un thème donné, un nouvel élan dans leur travail.

Les textes ont été lus par certains des auteurs du numéro, Bernard Moreau, Brigitte Gyr, Marie-Magdelaine Lessana et Florence Trocmé tandis que d’autres textes, dont les auteurs n’avaient pu être présents, ont été lus par le comédien Pierre Katuchevski (textes de Christophe Lamiot, Judicaël Mouron, Toni Negri, Angel Parra, Alexis Philonenko, Caroline Sagot-Duvauroux.)

La lecture de Marie-Magelaine Lessana a été l’occasion d’une sorte de surprise musicale puisque elle a fait intervenir, à ses côtés, son ami Christian Kibongui Saminou, d’origine congolaise, joueur de cet étonnant instrument qu’est un hang.

Légendes des photos (©florence trocmé), de haut en bas : Pierre Katuchevski et Bernard Moreau ; Nicolas Prost et Anne Lecaplain ; Pierre Katuchevski ; Brigitte Gyr ; Marie-Magdeleine Lessana ; Christian Kibongui Saminou. 



1. le site de la revue Sarrazine (présentation du n° 11, courts extraits des textes)
2. Le site de la Halle Saint Pierre
3. site de Paul de Brancion
4. les livres de Marie-Madgeleine Lessana qui publie actuellement Mon frère, aux Éditions Ramsay

 

"Le Cadran ligné", une nouvelle collection de poésie

 

 

Une nouvelle collection de poésie
entretien avec Laurent Albarracin

 

 

Poezibao : vous êtes en train de créer une structure d’édition, Le Cadran Ligné, et je voudrais vous interroger sur ce qui vous a conduit à cette décision. J’ai employé spontanément le terme de structure d’édition plutôt que celui de maison, au vu de ce que je sais de votre projet. Est-ce justifié ?

 

Laurent Albarracin : plutôt que d'une maison d'édition, ou même d'une structure d'édition, je parlerais volontiers d'une collection de poésie, puisque l'idée, l'envie, est avant tout celle de créer une collection cohérente de poèmes qui reflèterait mes goûts, les tendances de mon seul bon plaisir ! Pas très envie d'emblée de développer économiquement la chose au-delà de la viabilité, de l'existence et du partage de ces petits livres limités chacun à cent exemplaires. La petite édition a en France une longue histoire et une vivacité qui suffisent à la légitimer. Il est assez naturel pour un poète de s'y intéresser (d'abord comme lecteur, afin de s'y repérer) puis peu à peu d'y venir, d'une manière somme toute fortuite. On noue des amitiés, on fait des rencontres, on a des lectures qui prennent vite l'allure d'un tout logique sinon harmonieux qu'il nous prend l'envie de donner à voir.
Mon parcours est d'abord celui d'un lecteur et je ne l'ai fait connaître, jusqu'à maintenant, qu'en donnant quelques notes de lectures (sur le site de Pierre Campion). Comme poète je crois pouvoir, je crois devoir me situer par rapport à d'autres, établir des préférences, dessiner quelques lignes de proximité entre certains d'entre eux. Ils ne sont pas si nombreux après tout ceux qui me semblent importants, qu'il faille les tenir éloignés les uns des autres. Je le répète, la décision de publier une collection de poésie vient tout naturellement je crois à qui en écrit. Pierre Peuchmaurd disait (en paraphrasant Maurice Blanchard) que « l'édition est une propriété de la poésie. »

 

 

Poezibao : comment vous est venue l’idée du modèle que vous comptez adopter et pouvez-vous nous le décrire ainsi que les principales caractéristiques de cette collection ?

 

Laurent Albarracin : il s'agit concrètement d'une collection de plaquettes soignées, constituées d'un unique feuillet plié en quatre recouvert d'une couverture à rabats, le tout imprimé sur du papier vergé Conquéror. Le format étant petit (11 x 15 cm) et la pagination réduite à une seule page (sans compter la page de faux titre, la page de titre et la page de l'achevé d'imprimer), chaque titre de la collection correspondra ainsi à un seul poème court, très court même puisque ne devant pas excéder dix vers environ faute de place sur la page. Ce qui me plait dans cette contrainte en partie liée au choix de coûts réduits de fabrication et de port, c'est bien sûr l'obligation d'excellence du poème, le fait qu'il devra tenir debout isolément, faire livre si je puis dire à lui tout seul. Cela implique pour moi un fonctionnement au coup de cœur absolu, chaque poème devant m'émerveiller assez pour le publier tel quel et non pas j'allais dire mitigé dans un ensemble. J'aime assez en poésie les notions de densité, d'évidence pour penser qu'un poème seul, par l'éclat qui peut être le sien, puisse mériter une édition à l'unité.
Je ne m'interdis pas la publication d'autres formes courtes que le poème : fragments, aphorismes, notes spéculatives.
Quant à l'idée de cette collection, de ce modèle de publication, elle m'est venue simplement par la connaissance de tentatives similaires. Je pense particulièrement à un poème magnifique de Jean Malrieu, « Le Menuisier de l'air », publié, sur ce principe du poème court unique, par les éditions Castor astral en 1976 sur un papier verdâtre et avec une illustration horrible mais le poème est tellement beau que c'en est un bonheur.

 

 

Poezibao : pouvez-vous dessiner un peu le paysage de ce « tout logique sinon harmonieux » dont vous parlez ?

L. A. : Il m'est assez difficile de dessiner les contours de ce paysage sans trop le restreindre. Disons que j'aime d'abord la poésie qui fonctionne à l'image, qui use de la métaphore comme d'un instrument de connaissance du réel. Ceci suffit à écarter pas mal de poètes d'aujourd'hui pour qui l'image est une chose démodée, ce que je ne m'explique pas, de même que je ne m'explique pas la désaffection que semble connaître toute la lignée poétique issue du surréalisme. Les plaisirs de la poésie et ceux de l'analogie se sont toujours confondus pour moi. La pensée poétique qui m'occupe me parait toujours aller par grands raccourcis, si l'on peut dire et concevoir cela, voyager de fulgurances en évidences sombres. Je ne cache pas également un goût pour une poésie philosophique qui oserait s'aventurer du côté des grandes et petites questions métaphysiques quand bien même celles-ci se réduisent à des riens. Je ne rejette pas non plus le lyrisme quand il est assez tendu pour ne pas se confondre avec une complaisance à soi-même. Les qualités d'humour d'un poème peuvent enfin m'émouvoir...

 

 

Poezibao : pouvez-vous parler des premiers contacts avec les poètes. Pour l’instant, c’est vous sans doute qui avez sollicité les poètes ? Avez-vous eu aussi à travailler avec les auteurs, les accompagner dans leur démarche, travailler le côté éditorial…?

 

L.A.  : pour le moment je n'ai fait que demander des poèmes aux amis les plus proches. Je ne pense pas devoir jamais « travailler » un poème avec des auteurs puisque j'ai bien l'intention de décider d'une publication selon le seul critère de l'enthousiasme immédiat. A la rigueur la question du titre peut ensuite se poser sur un poème appartenant à un ensemble qui me serait proposé, et serait en effet à décider avec l'auteur. Sans doute la collection accueillera dans un premier temps des poètes invités, sollicités, mais je n'ai rien non plus contre les candidatures spontanées, au contraire.

 

 

 

Le « Cadran ligné », une collection de livres « d’un seul poème », imprimés à 100 exemplaires sur papier vergé.

 

Première Série
Pierre Peuchmaurd, Le Papier
Anne-Marie Beeckman, La Mémoire de l’eau
Laurent Albarracin, Chaque horizon
Christian Viguié, Des Oiseaux

3 € l’ouvrage, 15 € la série, chèque à l’ordre de Le Cadran Ligné, Le Mayne, 19700 Saint-Clément.

Une rencontre avec Raymond Federman

 

 

Hier soir à Paris, au Reid Hall de la rue de Chevreuse, rencontre avec Raymond Federman, à l’instigation des Editions Argol qui ont publié récemment dans la collection ″les Singuliers″ un livre d’entretiens de l’auteur avec Marie Delvigne, Federman hors limites. (note de lecture de Tristan Hordé)

 

Raymond Federman est interrogé par Bénédicte Gorrillot à qui il répond sur un ton enjoué, dans un français magnifique, réponses qui vont former petit à petit un portrait par éclats. Le rire est sans cesse proche des larmes qu’amène à chaque fois l’évocation du trauma initial, la scène de l’adolescence où lors d’une rafle, sa mère le pousse dans un placard en lui disant chut. Père, mère, sœurs sont emmenés et ne reviendront jamais. Seul, il va survivre, passant d’abord trois ans à travailler dans une ferme, se forgeant un corps solide au contact de « la fornication et la mort permanentes » des animaux, alors qu’il n’était qu’un petit garçon chétif en 42 au moment de la disparition de sa famille. Il partira ensuite à 19 ans aux États-Unis, il y sera ouvrier de nuit, apprendra à jouer du saxo, arrivera à suivre des cours, puis à 26 ans, se mettra à lire, à tout lire, fera des études et un doctorat sur « Sam », comprendre Beckett (sa thèse fut la première publiée aux États-Unis sur l’auteur, dont il fut l’ami et dont il est un grand connaisseur). Bénédicte Gorrillot parle de prétérition, à propos d’une sorte de leitmotiv qu’elle relève dans le livre :  « ça c’est une autre histoire », leitmotiv qui semble écarter le sujet ou éviter la question proposés par Marie Delvigne alors qu’en fait Federman lui répond mais en une sorte de « narration reportée », autour du trou du trauma (voir le poème absence : shoah/absence/xxxx), Federman évoquera plusieurs fois ce xxxx. Il dit qu’il tourne autour du pot, l’absence : « quelque chose a été absenté de ma vie ». Il lit un autre poème qui commence par ces mots, « ma vie a commencé dans un placard », poème de 1957 dont il dit qu’il contient « tout ».

 

L’attention est ensuite attirée sur le thème du corps et Federman, citant son livre Mon corps en neuf parties, dit que sa « mère lui a donné un excès de vie » en le poussant dans le placard. Il ajoute qu’il ne peut pas se prendre au sérieux et que c’est le rire qui a sauvé sa vie. Puis Bénédicte Gorrillot aborde la question de la forme et souligne que ce qui fait écrire Federman, c’est bien cette question-là et le comment de l’écriture. Lui souligne l’importance de Beckett : « les histoires on s’en fout, mais comment les raconter ?». Il ajoutera plus tard que finalement son histoire est très banale et que ce n’est pas la raconter qui compte. Il cite aussi Yeats : « How can we know the dancer from the dance?», comment séparer le danseur de la danse ? et évoque la surfiction, titre d’un de ses livres et terme inventé par lui, disant que  « la réalité en tant que telle n’existe pas ou existe dans sa version textuelle ». Enchaînement sur le doute, d’abord le doute sur la capacité du langage à dire quoi que ce soit de juste sur le réel, mais doutes aussi sur lui-même, sur son travail, sur son statut d’écrivain ; il rapporte une anecdote concernant Beckett : ce dernier lui montre un texte que lui trouve admirable et dit « tu sais Raymond, c’est pas encore ça ».

 

La séance se termine par la question des langues, dont Federman fait un emploi tout à fait saisissant et à la question « quelle est votre langue maternelle », il répond : « le français et l’anglais qui se mélangent où je veux quand je veux. » Il évoque son périple dans les langues, français de l’origine, puis argot de l’usine aux États Unis puis celui des jazzmen noirs à Detroit et même ces mots complètement oubliés de lui pendant des décennies et qui ressortent soudain à l’improviste comme guibole ou resquiller. Il est question du jazz aussi et de « la trace rhétorique » qu’il laisse dans l’écriture, du côté de l’improvisation : « mon écriture n’a pas de direction ». Il dit encore qu’il préfère « faire du non-sens que du sens » et rappelle Beckett lui disant à l’orée de ses recherches pour sa thèse : « faites attention à la forme plutôt qu’au sens ».

 

Le dialogue avec Marie Delvigne et Bénédicte Gorrillot sera suivi de deux lectures brèves et très réussies d’Alexander Dickow, une variation bilingue sur un formulaire de demande de naturalisation et de Christian Prigent qui lira deux textes de Raymond Federman.

 

 

 

Photos ©florence trocmé. Elles sont tout agrandissables par simple clic sur l'image. De haut en bas : Raymond Federman ;  Raymond Federman et Bénédicte Gorrillot ; Raymond Federman lisant avec Marie Delvigne ; l'éditrice Catherine Flohic (Argol Editions) ; Raymond Federman avec Mathias Pérez au centre et Christian Prigent ; Raymond Federman et Ericas, son épouse ; Alexander Dickow ; Christian Prigent.

 

 

Le spectacle "Ode Maritime" (Pessoa), un compte rendu de Claude Ber

 

 

Et vous, choses navales, mes vieux jouets de songe !
Composez hors de moi ma vie intérieure

 

Poezibao l’a signalé dans son dernier  « agenda », Frédérique Wolf-Michaux reprend pour un soir, à Cergy Pontoise, son spectacle autour de l’Ode Maritime de Fernando Pessoa. Claude Ber a vu ce spectacle et en rend ici compte.

 

L’Ode maritime est de ces très grands textes, qui plongent au plus profond de la complexité humaine, mêlant conscience la plus aigue et reflux de l’inconscient dans sa brutalité. Un texte qui bruit du murmure au tumulte et fait résonner, mêlé à la rumeur du port et de la mer, l’entier de nous-mêmes emporté dans les désirs, les rêves, les pensées, les tensions intimes dans la violence de notre univers intérieur traversé d’élans, d’images, de retombées et de fulgurances.  Il faut un très grand talent pour mettre cette parole en corps et en scène sans la minimiser ni risquer la redondance. C’est un pari, que la comédienne et metteur en scène Frédérique Wolf-Michaux a réussi au-delà de ce qu’on pouvait espérer. La qualité de son jeu comme celle de sa voix de contralto capable de passer avec autant d’aisance que de maîtrise du parlé au chanté, du murmure au cri, de l’intériorité à la puissance du chant, lui permet de donner à entendre le texte dans toute sa force et sa finesse, à entendre et à voir sa richesse dans une égale richesse d’interprétation et avec la présence physique qui est la sienne. La grande réussite de ce remarquable travail de comédienne – un travail rare comme chaque fois que l’acteur sait porter, incarner le texte sans jamais être ni en avant ni en deçà de lui- c’est le sentiment qu’a le spectateur de recevoir les mots pour la première fois, comme s’ils s’inventaient devant nous. Ils naissent là, sur scène, de cette fine silhouette à la fois androgyne et sensuelle, épurée et charnelle qui emplit tout le plateau, accompagnée par les guitares et l’image. Et plus qu’un accompagnement, la partition musicale créée par Alexandre Meyer et Frédéric Minière comme l’image, sont de véritables partenaires du jeu. L’imaginaire sonore des deux musiciens, qui font naître de leurs instruments des sonorités inattendues, colle au jeu sans jamais le redoubler ni l’agrémenter. Ce sont deux univers tressés, indissociables, résultat d’improvisations en commun des trois interprètes, le musicien et la comédienne-chanteuse. Des sons, des voix se répondent comme ils le font dans le texte et dialoguent avec lui sans l’illustrer. C’est ce qu’est parvenu à faire aussi Giney Ayme, dont on connaît l’exigence de plasticien. Au sol comme à la création chez Mathilde Monnier à Montpellier ou projetée sur un écran de 8 mètres de long lors des reprises au théâtre du Chaudron et au Théâtre 95, dans les deux cas, la vidéo prend la comédienne dans ces images d’une plasticité rigoureuse sans concession ni anecdote. Pari réussi pour ces quatre artistes, dont la rencontre crée un objet artistique à part entière, à la fois théâtral, sonore et plastique de cette originalité et de cette évidence qui signent les réussites. C’est là un grand moment de théâtre à la fois exigeant et immédiat, dense et dépouillé, subtil et puissant. Depuis Checkpoint Charlie en passant par Le Mer intérieure, Frédérique Wolf Michaux y affirme toujours aussi clairement sa singularité dans le paysage théâtral contemporain, où elle élabore dans un face à face exigeant avec les textes, dont elle renouvelle l’approche, une écriture théâtrale particulière, à la fois en prise avec les interrogations actuelles du théâtre et profondément originale.

 

Contribution de Claude Ber

 

Ode Maritime de Fernando Pessoa
Mise en scène et interprétation Frédérique Wolf-Michaux
avec Alexandre Meyer et Frédéric Minière, guitare et guitare basse, Giney Ayme vidéo
le 10 mars 2009 a 21h  au théâtre 95 a Cergy Pontoise
Réservations : 01 30 38 11 99 ou [email protected]

 

 

Autour d'une thèse sur Christian Gabriel/Le Guez Ricord (un article de Dominique Sorrente)

 

 

Aux fontaines de l’inspirateur
Christian Gabriel/Le Guez Ricord
(Chronique d’une soutenance de thèse)

 

 

Peut-être ai-je assisté ce jeudi 20 novembre à l’École Normale Supérieure à Paris à ce qui se fait de mieux à l’Université en France aujourd’hui ou, du moins, de plus insolite…Une jeune étudiante roumaine, Ana-Maria Gîrleanu-Guichard soutient sa thèse de doctorat en Lettres Modernes à l’Université Paris IV. Le sujet porte sur « Négation et Transcendance dans l’œuvre de Christian Gabrielle Guez Ricord ».

 

Un beau parterre de têtes pensantes, professeurs et poètes, a pris place sur l’estrade, autour de Jean-Michel Maulpoix, président du jury ; l’héroïne du jour a élu domicile en contrebas, sans doute pour des raisons techniques, derrière une table de travail qui lui sert de chambre d’écho provisoire, il faut bien sacrifier aux usages de l’adoubement…À quatorze heures, la cérémonie commence ; elle s’achèvera à dix-huit heures par les applaudissements insistants d’un public d’une centaine de personnes qui pourrait bien être à lui seul un sujet d’investigation. Il faudra bien aller chercher l’explication de cette affluence, du côté du mystère de la parole irradiante d’un poète se pratiquant comme une étoile à retardement…Qui sont ces auditeurs ? Des étudiants, des passionnés de poésie contemporaine, sans doute, mais surtout des témoins, des proches, des personnes qui, à un moment ou à un autre, ont entendu la voix inimitable du poète de Maison Dieu, ont accroché ses mots à leur histoire, et ont choisi de l’honorer. Pierre Oster dont l’émotion était palpable ne fut pas le moindre des grands témoins présents, lui qui, dès 1976, avait mentionné « une des plus pures apparitions qu'il nous ait été donné d'observer en dix ans et à l'horizon de notre langue ». Mais ce serait être incomplet que de ne pas évoquer ces autres présences plus secrètes qui d’une génération à l’autre ont reconnu chez Christian une forme d’élection singulière qui déborde du simple objet de littérature.

 

La séance jouera les prolongations deux heures durant, dans la salle adjacente au milieu d’un buffet offert par la doctorante avant de traverser Paris jusqu’à la recherche de l’introuvable café Nerval, au bout de la rue Saint-Martin, à minuit passée, geste de quelques inqualifiables veilleurs dont Anik Vinay de l’Atelier des Grames ou le cinéaste Stéphane Sinde. Quelque chose s’est accompli, ce jour-là, qui n’en finit pas de vouloir se prolonger. 

 

Les éditions isabelle sauvage, par Olivier Goujat

 

 

Isabelle Sauvage est éditrice typographe. Depuis 2002 elle réalise des livres d’artiste de petit format et à tirage restreint (entre 125 et 170 exemplaires). Une quinzaine de titres sont parus, en poésie et en prose ; des textes courts, car le temps de composition et de fabrication manuelles des ouvrages instaure une contrainte réelle qui fait de la typographie un art des limites. La plupart des textes dialoguent avec l’œuvre d’un artiste, l’ouvrage s’équilibrant au gré de cette double intervention. Le livre, tel qu’Isabelle Sauvage le propose, est donc bien le lieu bâti d’une rencontre autour de l’élément singulier que constitue un texte.

 

Comment faire un livre ? Le savoir-faire de typographe et d’éditrice d’Isabelle Sauvage est évident, il est remarquable. Mais en aucun cas il ne résout définitivement la question qui précède la réalisation de chaque nouvel ouvrage. Le livre est une solution matérielle unique au problème que pose l’exposition du texte. En cela, le travail d’Isabelle Sauvage s’inscrit dans la continuité de l’écriture, il assure sa lisibilité. Il offre (au texte) la lecture (du texte)… ce que l’écrivain ne saurait faire sans écrire, sans défigurer et reconfigurer indéfiniment son objet. Car si l’écrivain est bien son premier lecteur, l’éclaireur, écrire ne consiste-t-il pas à lire dans la plus complète obscurité la part mortelle qui, au sein de la langue, insiste à la manière d’un corps dépossédé de langage ? Le texte est cet infans, et en tant que tel il demeure tourné vers le fond obscur et sans partage, ce qu’il y a dans la pensée de profondément mêlé de chair, indistinct, non séparé jusque dans les mots qui tentent pourtant de faire la lumière sur cette animalité silencieuse. Le dégagement en quoi consiste le texte ne le laisse pas exempt de traces de déchirure, d’une souillure corporelle. Cette séparation qui est l’œuvre de la main et du regard justifie l’usage du mot crime pour qualifier l’opération au cours de laquelle l’écrivain se retranche du corps social, et détourne si violemment la langue qu’il se met en situation de réprouvé. Edmond Jabès parlait naguère de l’écriture comme d’une entrée en dissidence… Le texte doit donc être lavé de tout soupçon, se soumettre au pli et à la marge, être mis au fer (au plomb). Comment détourner l’écrit du Rien qu’il affronte et qui l’aveugle ? Il faut que s’avère un ordre de la lecture. Et c’est là qu’intervient, au gré d’un troublant mimétisme, le travail d’édition et de typographie, qui ramène le texte au sein du partage, le distrait de sa destinée tragique, et, une fois pour toutes, le blanchit au sein du livre. Cette opération, tout aussi silencieuse, relève également de la main et du regard et procède d’une technique rituelle. Laver le texte de tout indice corporel, décoller la langue de son emprise manuscrite et typer lettre à lettre les lignes d’écriture pour, négativement, imprimer une autre surface : la gestuelle du typographe transforme en le justifiant le texte, cependant respecté à la lettre, mais rendu au lien : il ne restera pas lettre morte.

Ce qui d’emblée retient l’attention, c’est la variété formelle des livres réalisés par Isabelle Sauvage. Peu nombreux sont ceux qui se ressemblent et ce malgré l’existence de collections impliquant une contrainte formelle : chaque ouvrage se soumet à la règle afin de mieux la plier à son tour au gré d’une variation outrepassant la semblance des formats ou des matériaux. Ainsi les livres de la collection « avec les mêmes mots » (inaugurée en mars 2002 par Juin juillet peu importe de Sarah Clément et Jean Yves Cousseau), Compagnies de Stéphane Crémer (2003) et Hypothèses de Joanna Mico et Stéphanie Chaillou (2003), se rapprochent par le format (15 x 15 cm), l’usage du Garamont et par une présentation quelque peu similaire. Cependant, le livre ne s’ouvre ni ne se déploie dans les deux cas de la même manière. Les pages du premier sont des feuilles pliées, non reliées mais collées bout à bout, qui forment un accordéon de papier au long duquel se développe – passée la présentation d’Yves Bonnefoy – un poème aux membres disséminés et rythmés par le battement des pages offertes à l’envol. Hypothèses s’ouvre comme un étui blanc dans lequel six grandes feuilles translucides sont pliées en six : davantage délicate et enfantine boîte à secret que livre. Le poème de Joanna Mico et les encres de Stéphanie Chaillou se partagent l’espace de façon singulière, le recto et le verso se trouvant utilisés de telle sorte que poème et encre sont tantôt mis côte à côte de face et tantôt se conjoignent adossés. Le livre de Juliette Fontaine, Tu dis, paru en 2005 dans la collection « au corps », (qui compte également un livre de Krzysztof Styczynski, Corps, 2003) se présente comme une pochette de tissu noir fermée par un scratch, qui nous égare un instant sur son identité : ne s’agirait-il pas plutôt d’un carnet ? Le livre, là encore, se déplie pour se dédoubler, accordéon d’images au recto, accordéon de texte au verso. Des images extraites de bandes contact présentent une jeune femme aux cheveux courts et aux yeux clos en train de dire. L’image est suspendue et avec elle la voix arrêtée par le texte qui, approximativement, s’inscrit en son défaut. Un mini CD permet de rétablir le tiers absent, le temps de la voix. A l’origine de ce livre, Juliette Fontaine avait imaginé un « livre nomade » : dix exemplaires, dont un reste à l’atelier et neuf accompagnent des « passeurs » dans leur itinérance, avec un système de tickets permettant à chaque voyageur de témoigner de son parcours, l’auteur/artiste établissant au fur et à mesure une carte des chemins empruntés par le livre. En 2006 est parue la collection « pliés, dépliés », constituée de cinq livrets oblongs, trois de couleur bleue (ceux-là pris dans la largeur) et deux, élancés, de couleur rouge, fermés par des élastiques à chapeau colorés. Les livres bleus recèlent une feuille volante pliée en deux ou en trois, comme une lettre au papier ou à la marge illustrés – parfois un peu à la manière de certaines lettres de Manet –, mais toujours de façon sensiblement différente, la part belle étant souvent laissée au plasticien (la gravure de Guillaume Crouzet couvre l’ensemble de la page sur laquelle se déploie le texte de Claire Le Cam, Que novembre me semble beau ; les vidéogrammes de Jean Yves Cousseau encadrent un court texte en forme de répétition cumulative, Rien à dire, de Sarah Clément). Précisément là, parfois, de Stéphanie Chaillou, réalisé en 2007 en coédition avec les Éditions opaques, constitue une autre fête des mains et du regard, un étonnement recommencé devant le livre : le texte se déploie linéairement (le plus souvent une ligne par page, qui se poursuit parfois sur la page en regard ; une autre fois, trois lignes s’étirent sur l’espace de deux pages ouvertes), sur quatre teintes différentes de papier, dans le plus complet dénuement, comme les bribes d’un récit d’enfance sans presque d’images, des mots simples qui tentent une approche, dans l’aveuglement hallucinatoire, dans l’alternance des encres qui re-tracent un semblable parcours d’intensive recherche du toucher vers la touche dans  le rêve « d’un espace où le temps serait nul » (R. Giroux). La reliure tissée (la toile de reliure qui recouvre normalement les livres est ici placée à l’intérieur, le carton étant laissé brut en extérieur) s’ouvre comme un contre-livre qui rejoue sur le mode d’une variation typographique virtuose les principaux accords du texte présenté. Quant à S’ouvre juste le geste de Violaine Guillerm et Aurélie Thiolat (qui inaugure la nouvelle collection « parenthèses », consacrée à des livres de circonstances, et dans laquelle doit également paraître en décembre 2008 Une pierre dans mon jardin de Sarah Clément, avec des images de Jean Yves Cousseau), il se développe le long d’une bande de papier chiffon d’apparence assez modeste, six fois pliée, avec au recto le texte et au verso une peinture originale de l’artiste… et, au niveau d’un pli singulier, l’incise d’un poème « échappé du texte » qui mime le passage à l’œuvre plastique. Le prochain livre à paraître en décembre 2008, Les Sept Mantras de la Box, de Franck André Jamme, se présente comme un sobre étui de carton renfermant neuf fragiles feuillets, dont sept sont occupés par un carré de texte en lettres capitales, comme sept stèles, « chaque carré étant accompagné de son double simplement estampé ». Ces quelques exemples mettent en évidence avec quelle attention la nature matérielle du support, la variété formelle de l’approche du livre, sans compter la lisibilité silencieuse, voire sonore, que lui confère chaque intervention artistique, sont mises à contribution par Isabelle Sauvage pour offrir au lecteur non seulement un texte, mais avec lui toute une potentialité scénique de lecture.

 

A l’automne 2008, un versant offset (tirages à 600/800 exemplaires) voit le jour, qui offre aux éditions isabelle sauvage une autre dimension et une plus ample diffusion. La première collection, « Présent (im)parfait », dirigée par Alain Rebours, présente quatre ouvrages de petit format et de faible volume, à la couverture sobre et sombre. Elle (re)donne voix à quatre auteurs déjà publiés par Isabelle Sauvage, ce qui prouve la détermination de l’éditrice de défendre ses auteurs et d’accompagner leur œuvre. Une deuxième collection offset, « Chaos », dirigée par Séverine Weiss et basée sur des traductions sera inaugurée par la parution au premier semestre 2009 de Bosnie Élégie d’Adrian Oktenberg. Cette collection a pour vocation d’accueillir des récits et poésies parcourus par les « chaos du monde, soubresauts et révoltes, tensions et déchirures. Chaos de ces textes damassés déchirés dont les interstices brillent de pulsions et de rêves. »

 

Quelque chose se passe de Stéphanie Chaillou est un ensemble de petites proses, formant parfois des blocs courts et isolés. Comme pour Précisément là, parfois, on retrouve une phrase réduite à sa plus simple expression, des mots qui s’assemblent mais qui ont préalablement fait le désert autour d’eux, depuis longtemps, car la scène d’écriture trouve son socle dans l’enfance. Avec les mots, prendre le monde, entrer par sa meurtrissure, les détourner ainsi de la demeure, s’isoler et se retraire, écrire des phrases courtes comme des traits d’union et tenter, par le récit, dans le sillage des signes, de rejoindre ce moment de silence premier, où singulièrement, comme crevé sans éclats, le monde s’est ouvert.

 

 

 

Elle a peur de n’être personne. Avec sa haine, son corps, ses membres bien accrochés et ses cheveux qui poussent, elle ne se sent personne. Elle se sent ahurie. Défaite.

 

 

 

 

 

 

 

Prolégomènes à toute poésie de Stéphane Crémer est un recueil de 54 aphorismes et 5 apartés qui semble se jouer sur la scène de l’idéalisme allemand que nous ont appris à relire Jean-Luc Nancy et Philippe Lacoue-Labarthe dans L’Absolu littéraire. Il ne s’agit pas pour autant de répertorier les conditions philosophiques préalables à l’avènement du poème, et ce pour au moins deux raisons : d’abord, si tout arrive, comme le relevait Dominique Fourcade dans l’en-tête d’une lettre de Manet à Mallarmé, on ne voit pas venir la poésie, fût-ce sous la forme du poème : la poésie n’est pas une « métaphysique future », pour achever de paraphraser Kant, et Stéphane Crémer d’ajouter : « Le présent étant infini, le temps ne s’y voit pas passer ; mais nous aurons tout vécu et ce futur nous est donné puisqu’il est acquis que nous y sommes infiniment engagés. » D’autre part, et ici Stéphane Crémer rejoint les préoccupations de tout un courant de la modernité poétique, toute la poésie est prolégomènes. Sa nature est adventice, elle ne vient pas mais se précipite (Bernard Noël), elle est « la pensée devancée » (Jean Daive), la « poésie intensive » (Michèle Cohen-Halimi/Francis Cohen), ou bien, pour le dire encore autrement : « La poésie tout entière est préposition » (Claude Royet-Journoud), titre auquel cette dernière phrase d’Emmanuel Hocquard fait écho : « la langue tout entière est élégie ».

 

 

 

Que trouver ? Peut-être rien que l’ombre : Le corps même de la lumière.

 

 

 

 

 

 

Prêts longtemps de Violaine Guillerm est un recueil de poèmes au présent où l’on retrouve le vers, sa césure. Il y a tout au long du livre, dans la simplicité du verbe, recherche réitérée d’accords. Ceci, au sens musical, au sens des êtres et du mouvement, des saisons temporelles, du passage sur la peau, de toutes les délivrances.

 

 

 

Dans ce corps nos temps
Particuliers se joignent
Mis au monde encore
Tout à coup

 

 

 

Raccommoder me tourmente de Claire Le Cam affronte « l’il y a du rapport » au féminin, le désir qui s’empare des corps, des corps saisis comme les mots dont les sonorités glissent, s’égarent, comme des mains s’avancent, s’aventurent, n’hésitent pas à s’amuser, à recommencer sans cesse un autre moment, une autre rencontre, avec ou sans acmé.

 

 

 

Le poreux endormi, en image sur mon sein, corps emmiellé de contour à prendre à revêtir. Remous Trémolos Pas ramollis du tout Ronds mous Motus en mielleux mélo Éclat d’eau dans ta voix. Une mer. Un océan de boue dans le pore bleu de ton œil.

 

 

Téléchargement Catalogue des éditions isabelle sauvage 

 

 

Contribution d'Olivier Goujat

Soirée Christophe Tarkos à Paris

 

 

Emouvante soirée ChristopheTarkos hier soir à la librairie Le Divan, à Paris, à l’occasion de la sortie du premier volume de ses œuvres chez P.O.L. La soirée tournait autour d’un film réalisé par David Christoffel et a été introduite par Valérie Tarkos, la femme de Christophe, qui a pris en charge l’œuvre de son mari. Elle raconte comment Paul Otchakovsky-Laurens, très tôt, lui a dit être prêt à prendre en charge une édition des œuvres de son mari et comment elle a choisi de commencer non par des inédits mais par la réédition d’une  série de textes devenus introuvables. Lesquels ont été complétés de notes et d’entretiens, l’ensemble ne cherchant toutefois pas à constituer une édition savante. Le deuxième volume (il y en aura trois en tout pour cette édition en plus des quatre déjà publiés par P.O.L*) qui portera sur le travail oral et les performances du poète est déjà en cours d’élaboration. Valérie Tarkos a tenu à remercier en particulier Christian Prigent, présent dans la salle, pour le soutien qu’il a toujours apporté à son mari et pour la préface qu’il donne à ce premier volume (intitulée « Sokrat à Patmo »). Puis a été projetée une vidéo d’une vingtaine de minutes réalisée par David Christoffel sur un scénario de Katalin Molnar et Valérie Tarkos, vidéo proposant des extraits de lectures et improvisations de Christophe Tarkos, ainsi que des extraits  du spectacle Le Cri de l’Oie de Thierry Poquet et de divers textes lus par Valérie Philippin. On se souviendra en particulier de deux temps forts du film : l’ouverture avec la voix off de Christophe Tarkos disant posément « la poésie est la chose la plus importante du monde », puis ce second moment où le mot oui apparaît seul sur une double page ouverte, puis grandit pour finir par occuper tout l’écran tandis que le poète parle du oui et du non, ce dernier décrit comme une belle posture poétique n’excluant pas une certaine complaisance.

Il y avait aussi quelque chose d’émouvant à voir se succéder dans ce même lieu, à une dizaine de jours d’intervalle, Lucien Suel qui fut un ami très proche du poète qu’il évoque à au moins deux reprises dans son livre Mort d’un jardinier et les proches et amis et Christophe Tarkos, rassemblés pour rendre hommage à l’œuvre et à l’homme, disparu il y a quatre ans, le 30 novembre 2004, à l’âge de 41 ans.

Photos 1, 4 et 5 : ©florence trocmé, au milieu Valérie Tarkos au micro et à droite, Katalina Molnar, en bas de dos, Paul Otchakovsky-Laurens et à droite, Christian Prigent.

Photos 2 et 3, ©Annie Imbaud (photo 2 : Valérie Tarkos, Valérie Philippin et Katalin Molnar ; photo 3, David Christoffel et Katalin Molnar)

 

*Christophe Tarkos sur le site de son éditeur P.O.L

 

Ecrits Poétiques, présentation du livre sur le site de l’éditeur

 

Christophe Tarkos
Ecrits poétiques
432 pages, 20 €