Poezibao

Hier soir, au Lundi des Poètes, Bernard Chambaz, William Cliff et Jacques Darras : reportage

Deux nouvelles réjouissantes pour la poésie (elles ne sont pas si fréquentes) hier soir, lors d’un Lundi des Poètes réunissant rien moins que Bernard Chambaz, William Cliff et Jacques Darras. Jean-Pierre Siméon, directeur artistique du Printemps des Poètes (lequel organise avec le Lundi un rendez vous régulier tout au long de l’année), m’informe qu’il a constaté une hausse significative de fréquentation dans les lectures de poésie. Au moment du Printemps, il sillonne la France, de manifestation en manifestation, et constate qu’il y a rarement moins de cinquante personnes à chaque événement. Seconde bonne nouvelle, il arrive que des institutions privées s’intéressent à la poésie : il en est ainsi de l’hôtel Claret qui accueille, à titre de mécénat, la manifestation du Lundi des Poètes. Monique Pignet, propriétaire de l’hôtel annonce de plus la création d’un site où seront disponibles les fichiers audio des lectures

 

Dommage que ce n’ait pas encore été le cas hier soir. Car le plateau était de choix, selon les propres mots de Jean-Pierre Siméon en son introduction. De Bernard Chambaz l’introverti à William Cliff le provocateur et à Jacques Darras le joueur. Trois styles complètement différents, trois lectures presque opposées.
C’est Bernard Chambaz qui ouvre le feu. Et je retrouve ce que j’ai tant aimé dans Eté (voir toutes les références utiles en fin d’article), une narration ouverte, entrecoupée de plongées dans l’intime, presque des raptus de l’intime au cœur de ce qui se vit et qui est constamment attaqué par le souvenir, le deuil. On sait que Bernard Chambaz a perdu un fils et que cette perte informe toute son œuvre depuis lors, avec la figure poignante du « martin-pêcheur » et le sillage interminable du deuil. L’émotion est toujours aussi forte, même s’il ne faut pas réduire l’œuvre à cet aspect, elle fourmille de richesses, notes sur le vif, longue fréquentation significative des poètes américains, rendu très fin des perceptions extérieures et intérieures. Bernard Chambaz termine sa lecture par la dernière page du premier volume d’Eté, les larmes aux yeux. Nous aussi. Son corps a peu bougé, sa voix sourde s’est progressivement amplifiée, adoptant le rythme très particulier de cette poésie, à la fois continu et haché, narratif et troué.

Rythme aussi, mais si différent, avec William Cliff pour une promenade très déconstruite dans son dernier livre Immense Existence (dont Tristan Hordé a rendu compte très récemment sur Poezibao, voir ci-dessous), lecture comme théâtralisée, une anecdote, une adresse aux deux autres poètes ou au public et puis, soudain, immersion dans le poème, qui saute à la figure, qui accroche par ses images, ses allitérations, sa vigueur, sa crudité souvent. Et cette remarque de William Cliff, réponse à quelqu’un qui lui demandait comment il écrivait : « j’écris très lentement et j’essaie d’être le plus exact possible. Plus vous êtes exact plus vous dîtes des choses hors de ce qui est dit puisque nous sommes tous différents ». Il termine sa lecture par le poème « Le Sommeil du père » qui figure dans l’anthologie permanente de Poezibao

Nouveau style encore avec Jacques Darras, brillant, pétillant (il lit d’ailleurs son fort tonique poème « La Chanson du Champagne »), dans un festival de jeux de mots, de jeux avec les mots, sur le son et le sens.

Trois styles très différents mais que deux choses unissent, il me semble : le travail sur le rythme et l’ouverture sur le monde, les trois écrivains étant des voyageurs, qui en Amérique, qui aussi en Amérique mais également en Espagne, qui en Belgique, en Hollande, etc.

©florence trocmé, Poezibao

Bernard Chambaz a lu des extraits de Eté, paru en 2005 aux Éditions Flammarion
Ainsi je continue d’écrire par rafales ou saccades depuis début 2000 afin de ne pas commencer sans toi (sans l’illusion dépourvue de la moindre illusion) ces années qui commencent par le chiffre 2 sans être tout à fait le troisième millénaire et font suite à Echoir. Rafales est judicieux pour sa discontinuité, pour la soudaineté et la violence de ses coups, pour les fusils et la mitraillette de Maïakovski …. (intégralité de cet extrait, demain, dans l’anthologie permanente de Poezibao)

Bernard Chambaz dans Poezibao
Note bio-bibliographique,
extrait 1, extrait 2, extrait 3 extrait 4 (Eté), extrait 5 (Eté), extrait 6,

le compte rendu d’une lecture,

fiche de lecture de Eté (Flammarion 2005),

 

William Cliff a lu des extraits de Immense Existence, tout juste paru aux éditions Gallimard

William Cliff dans Poezibao :
Note bio-bibliographique,
extrait 1, "Lecture" poétique 4, extrait 2,
note de lecture de Immense Existence (par Tristan Hordé)

 

Jacques Darras a lu des extraits de Tout à coup je ne suis plus seul, paru aux Éditions Gallimard / L’Arbalète en 2006
La littérature est la constitution de la loi du sens.
La constitution du sens dans le mouvement qui le constitue.
La littérature change les lettres change les sons change le sens.
La littérature change la loi change de loi change de constitution.
La littérature est la plus politique est activités.
La littérature est la politique à l’état pur.

 

Photos ©Florence Trocmé (toutes agrandissables par simple clic sur l'image), de haut en bas, les trois poètes avec de gauche à droite sur l'image, Bernard Chambaz, William Cliff et Jacques Darras ; Jean-Pierre Siméon ; Bernard Chambaz ; William Cliff ; Jacques Darras ; Bernard Chambaz et William Cliff.

René Char à la Bibliothèque Nationale, compte rendu d'une visite (par Tristan Hordé)

Le centenaire de la naissance de René Char (né le 14 juin 1907, mort le 19 février 1988), célébré de diverses manières (1), l’est magnifiquement à la Bibliothèque nationale. Il faut, en premier lieu, se réjouir du parti pris de clarté et de pédagogie du maître d’œuvre, Antoine Coron, directeur de la réserve des livres rares : le visiteur ne fait pas que découvrir des merveilles, il les aborde en suivant un parcours chronologique, parcours présenté par des textes précis et clairs qui sont repris dans un petit livret disponible à l’entrée de l’exposition.
Il serait fastidieux d’énumérer l’ensemble des éléments présentés. Les amateurs de typographie et de manuscrits enluminés seront comblés : l’ensemble des recueils illustrés de René Char est là, et c’est un vaste panorama du travail de peintres et d’un poète — Miró, Matisse, Picasso, Victor Brauner, Braque, Max Ernst, Jacques Villon, Giacometti, Zao Wou-ki, Vieira da Silva…, et la liste est bien incomplète. En outre, des tableaux, des lithographies, des gouaches et des aquarelles de plusieurs de ces peintres ponctuent le parcours – par exemple, deux toiles de petit format de Nicolas de Staël, Paysage de Provence et Face au Havre, celle-ci offerte à René Char. Nicolas de Staël, qui travailla au projet de décor et de costumes pour L’abominable homme des neiges, grava aussi 14 bois pour des poèmes extraits du Poème pulvérisé. Il écrit à René Char, en préparant ses bois : « Tu m’as fait retrouver d’emblée la passion que j’avais enfant pour les grands ciels, les feuilles en automne et toute la nostalgie d’un langage direct que cela entraîne » (8 novembre 1951).
Bel hommage que cette lettre à un ami pour qui la poésie était ancrée dans le réel. Ce réel est bien présent dans l’exposition : engagement dans les activités du groupe surréaliste au début des années 1930, soutien à la République espagnole (Placard pour un chemin des écoliers, puis Dehors la nuit est gouvernée), responsabilités dans la Résistance, plus tard accord avec Albert Camus qui publiait L’Homme révolté, lutte contre l’installation d’ogives nucléaires sur le plateau d’Albion…Il est aussi présent dans les poèmes de Char.

Il est bon de s’arrêter dans sa visite ; on s’assied ici ou là pour écouter des lectures de poèmes, les plus nombreuses par René Char lui-même, et par de grands diseurs qui restituent sans emphase la densité des textes : Maria Casarès, Laurent Terzieff et Jean Négroni. On écoute également des extraits des « mises en musique » de Pierre Boulez (pas seulement Le Marteau sans maître ou Le soleil des eaux), dont on voit les partitions. On s’attarde dans une petite salle pour trois films tournés du vivant de René Char, de Michel Soutter (1966), Jean-Paul Roux (1968) et Lüfti Özkök (1972), un quatrième de Jérôme Prieur en 2007 (René Char, nom de guerre :Alexandre). On reprend le parcours, et l’on prend le temps de lire quelques-uns des manuscrits de René Char, pour son écriture vive et les traces du travail de l’écriture, les lettres (Gilbert Lely, Bataille, Camus, etc.), les documents sur la résistance. On retrouve la photographie du poète par Brassaï et par Jacques Robert, mais aussi dix autres, mais encore les ensembles sur le Vaucluse de Pierre André Benoit (présent également par ses gouaches) et d’Henriette Grindat. On a passé ici l’après-midi et l’on sait que l’on reviendra.
Le catalogue, sous la direction d’Antoine Coron, répertorie et présente les quelque 400 documents de l’exposition ; il s’ouvre sur un texte d’amitié de Dominique Fourcade, qui avait dirigé l’important Cahier de l’Herne consacré en René Char en 1971.
©Tristan Hordé

 

(1) Signalons : l’exposition qui aura lieu en juillet 2007 à la Maison René Char, Hôtel de Campredon, à L’Isle-sur-la-Sorgue ; le colloque international René Char en son siècle, qui aura lieu du 13 au 15 juin 2007 organisé par les Universités de Paris-III Sorbonne Nouvelle (UMR Écritures de la modernité, dirigée par Michel Collot) et de Paris IV Sorbonne (équipe Littératures du XX^e siècle, dirigée par Michel Murat).

 

Exposition René Char (4 mai – 29 juillet) à la Bibliothèque nationale, Quai François Mauriac, Paris, 13^e, Hall Est ; mardi-samedi, 10h à 19h, dimanche, 13h-19h, sauf lundi et jours fériés, 5€.

photos ©ADAGP, René Char, A la Santé du serpent, illustré par Wilfredo Lam, 1951-1952 et René Char, le Terme épars, illustré par Arpad Szenes, 1966.

 

René Char dans Poezibao

bio-bibliographie de René Char (complètement remaniée et actualisée, mai 2007)
extrait 1, extrait 2, extrait 3, extrait 4, extrait 5,  extrait 6, extrait 7,
Lettera Amorosa en Poésie / Gallimard

Une rencontre avec Jacques Dupin à Paris, hier dimanche 29 avril 2007

Pour la deuxième fois en quelques jours, la librairie Tschann à Paris organisait hier, dimanche 29 avril 2007, une lecture d’importance. Que l’on en juge, une rencontre avec Jacques Dupin, pour marquer la sortie de deux livres, 04.03 : mélanges pour Jacques Dupin et M’introduire dans ton histoire. Double parution après celle, relativement récente, du dernier recueil de poèmes de Jacques Dupin, Coudrier, paru également chez P.O.L. De ces trois livres il aura été question dans un échange lumineux dominé par la présence du poète.

 

Mais il faut d’abord s’arrêter un moment à l’extérieur de la librairie pour parler des très belles vitrines que compose la libraire Muriel Bonicel. Composition non seulement très réussie sur le plan esthétique mais qui permet aussi de mesurer l’ampleur et la portée de l’œuvre de Jacques Dupin, en particulier dans ce qui est si fondamental pour lui, son rapport avec les peintres. La vitrine assemble ainsi autour d’un portrait du poète par Garache les dernières parutions, ces trois livres cités plus haut mais aussi le très beau numéro spécial Jacques Dupin de la revue Faire Part dont Poezibao a déjà rendu compte, les autres œuvres poétiques de Dupin, quelques exemplaires encore disponibles de certains numéros de la célèbre revue l’Éphémère, les ouvrages de J. Dupin consacrés à Miro, Giacometti, Tapies et bien d’autres trésors encore.

 

La rencontre s’est déroulée en deux temps : une présentation des livres par Nicolas Pesquès, Francis Cohen et Valéry Hugotte, puis une lecture par Jacques Dupin d’extraits de M’introduire dans ton histoire et de Coudrier.

Nicolas Pesquès intervient le premier pour raconter de façon très vivante l’histoire de 04.03 dont on comprend tout de suite que le titre est une date, celle de l’anniversaire de Jacques Dupin qui vient d’avoir 80 ans en ce mois de mars 2007 et que ce livre est un cadeau. A l’origine en effet, l’idée de faire une « surprise » à Jacques Dupin, ce qui représentait une sorte de défi car des livres sur lui, il y en a déjà eu plusieurs et de haut vol. D’où l’idée originale de rassembler en ces Mélanges des contributions d’auteurs n’ayant encore jamais écrit sur lui, pari tenu à une ou deux exceptions près, les délais impartis à la réalisation étant un peu courts et la foi des réalisateurs en la faisabilité de leur projet pas tout à fait entière ! N’empêche : les trois quarts des textes sont un premier écrit de leur auteur sur le poète. Il faut noter aussi, Poezibao en a déjà parlé, que dans le même temps se montait en Ardèche un fort numéro spécial de la revue Faire Part, toujours pour cet important anniversaire.

En ce qui concerne 04.03, l’autre idée, qui semble très naturelle quant il s’agit de Jacques Dupin qui a tant travaillé avec les peintres, fut de donner une large part aux artistes en leur demandant un portrait du poète. Nicolas Pesquès dit le bonheur de leur petite équipe devant les « documents étonnants » qu’elle a reçus et en quoi ces contributions graphiques l’ont aidée à construire le numéro par séquences, sorte de sous-ensemble de textes associés à un dessin, les uns et les autres, ensembles, textes et dessins, se « réverbérant les uns les autres ».

Francis Cohen s’arrête ensuite sur les auteurs de ces Mélanges pour…. : Yves Bonnefoy, Anne-Marie Albiach, Claude Royet-Journoud, Emmanuel Hocquard. Ou Jacques Roubaud qui raconte comment jeune poète, voulant se débarrasser du surréalisme, il se tourne d’abord vers André du Bouchet et Philippe Jaccottet avant de se concentrer sur Jacques Dupin et Roger Giroux. Plus inattendue peut-être dans ce livre, la présence de Marcel Moreau ou de Jean-Pierre Verheggen.

 

 

Avant de commencer à lire Jacques Dupin dira son bonheur de ces mélanges et soulignera aussi l’intérêt de ce qu’il appelle, à deux reprises, le « cahier ardéchois », autrement dit le numéro spécial de Faire Part, qu’il a reçu, dit-il, en même temps que 04.03.

 

C’est par un très bel extrait de M’introduire dans ton histoire qu’il ouvre le feu, des pages consacrées à Pierre Reverdy (« La Difficulté du Soleil », préface d’un catalogue Pierre Reverdy, à la fondation Maeght et au musée d’Art Moderne de la ville de Paris en 1970 et repris dans Ancres. Pierre Reverdy, Éditions Maeght, 1977) : quand on refuse les tentations d’un ailleurs, les illusions d’un au-delà, les mirages d’un futur. Et qu’on se tient sur la terre, au plus près des choses, à l’écoute de soi, les yeux ouverts, et qu’on persiste….. ». Suivront plusieurs poèmes de Coudrier (brunissoir / un outil de poésie) avant que la parole soit donnée à Valéry Hugotte.
Ce dernier revient sur M’introduire dans ton histoire, dont le titre est en fait le premier vers d’un sonnet de Mallarmé. Valéry Hugotte qui est le préfacier de ce livre et qui parle en un court et brillant exposé de la « passion du commencement » à l’œuvre chez J. Dupin. Premières lectures (Mallarmé donc, Baudelaire, Rimbaud), premier vers d’un poème qui n’a pas de titre, quelques indices pour les lecteurs du poète qui tous savent sa capacité à se réinventer de façon continue (cette dimension avait aussi été soulignée de façon intéressante dans l’émission de la veille sur Radio Aligre). Importance de la rencontre aussi démontrée par les textes et poèmes de ce recueil, rencontre avec Reverdy, Jabès. La première fois de rencontres. L’importance de la première fois et chaque livre, chaque poème étant une première fois,  « ce commencement auquel la poésie de Jacques Dupin n’en finit pas de nous convier ».
Je noterai pour finir l’importance de l’assemblée, une bonne cinquantaine de personnes, au milieu des tables de livres, et la présence de très nombreux poètes.
« Le poème est une attente « (Jacques Dupin).
© florence trocmé, Poezibao, 2007

 

Jacques Dupin dans Poezibao :
Bio-bibliographie de Jacques Dupin
extrait 1, extrait 2, extrait 3, extrait 4, extrait 5, extrait 6,
hommage à Claude Esteban,
numéro spécial de Faire Part,

 

Photos ©florence trocmé. De haut en bas et de gauche à droite :deux photos de la vitrine de la librairie Tschann, Nicolas Pesquès, Francis Cohen, Jacques Dupin, Valéry Hugotte et en bas, Jacques Dupin à gauche en compagnie de Nicolas Pesquès, Francis Cohen, Valéry Hugotte. Au premier plan à droite, Jean-Louis Giovannoni. Ces photos sont toutes agrandissables par simple clic sur l'image.

Une lecture d'Esther Tellermann et d'Isabelle Garron, hier soir, à la librairie Tschann à Paris

Hier soir, en la librairie Tschann à Paris, beau moment de lecture autour de deux poètes Flammarion, Isabelle Garron et Esther Tellermann.

 

D’Esther Tellermann dans Poezibao, on peu lire la fiche bio-bibliographique, ainsi que trois pages d’extraits : extraits 1, extraits 2, extrait 3 (cette dernière page à l’occasion de la parution de Terre Exacte dont Esther Tellermann a lu des extraits hier soir)

 

D’ Isabelle Garron on peut lire sur le site une note bio-bibliographique,, découvrir deux extraits de Qu’il Faille, son livre récemment paru et dont elle a lu de larges extraits hier soir, extrait 1 (présentatin de Qu’il Faille), extrait 2,et découvrir la fiche de lecture consacrée par Poezibao à ce très beau livre : note de lecture de Qu’il faille

 

Les auditeurs étaient accueillis par Muriel Bonicel (qui propose chez Tschann, 125 bd du Montparnasse, un des plus beaux rayons de poésie de Paris). Enfin les deux poètes étaient présentées par le directeur de la collection poésie de Flammarion Yves di Manno (collection qui comporte notamment des livres de Mathieu Bénézet, Fabienne Courtade, Marie Etienne, Paul-Louis Rossi, Ariane Dreyfus, Claude Esteban, Christophe Lamiot-Enos, Hélène Sanguinetti, Jean-Claude Schneider, Florence Pazzottu, Sandra Moussempés, Eric Sautou (on aura reconnu dans cette liste de très nombreux auteurs présents dans Poezibao et plusieurs d’entre eux étaient présents hier soir).

Yves Di Manno est également poète et à ce titre présent plusieurs fois dans Poezibao : une note bio-bibliographique, lecture Double Change (nov. 05), lecture Lundi des Poètes

Photos ©florence trocmé, de haut en bas, Muriel Bonicel, Esther Tellermann, Isabelle Garron et Yves Di Manno

Une rencontre autour de Pierre-Albert Jourdan

Une rencontre autour de Pierre-Albert Jourdan

Une librairie bondée, la présence de tous les livres renforçant le climat de ferveur qui s’établit au fur et à mesure que les uns et les autres (plus d’une cinquantaine de personnes) arrivent et s’installent tant bien que mal, qui assis, qui debout, au milieu des comptoirs de livres. Parmi ceux-ci, une très belle table composée, je choisis le mot à dessein, par Muriel Bonicel, la très active responsable des rencontres, des lectures, de la poésie et sans doute de bien autre chose encore à la librairie Tschann, boulevard Montparnasse, à Paris.
Un dimanche après-midi, avec le soleil éclairant les vitrines dédiées elles-aussi à celui qu’on célèbre : Pierre-Albert Jourdan, en présence de son fils Gilles Jourdan et avec la participation de Elodie Meunier, François Lallier, Alain Lévêque interrogés par Jean-Baptiste Para. Avec trois temps de lectures de textes de l’auteur par Fanny Cottençon. Rencontre organisée à l’occasion de la parution, dans le dernier numéro de la revue Europe[1] d’un fort cahier consacré à Pierre-Albert Jourdan[2]

     En ouvrant l’entretien Jean-Baptiste Para, maître d’œuvre du numéro de la revue Europe, a souligné combien il était opportun de célébrer, en la librairie Tschann, « foyer de poésie », la mémoire de Pierre-Albert Jourdan et son « pouvoir de luminescence ». Il a présenté brièvement le numéro de la revue, sur laquelle je reviendrai ensuite, et son cahier composé d’inédits et de contributions des proches et amis de l’écrivain. Évoqué aussi l’exposition montée dans la librairie, cette table devant lui, avec les divers livres de Pierre-Albert Jourdan et surtout une belle collection de ce qui fut sa revue, Port-des-Singes. Et dans les vitrines, des livres encore, des documents, des dessins de Pierre-Albert Jourdan, d’Anne-Marie Jaccottet ou de Jacques Hartmann. Et rappelé la présence, dans l’assistance, du fils de l’auteur, Gilles Jourdan.

L’expérience du monde
Il a très vite cédé la parole à Fanny Cottençon pour une première série d’extraits de l’œuvre, ces « fragments », tardifs, le fragment étant devenu à partir d’un certain moment, la forme privilégiée d’expression de P.-A. Jourdan. Très belle entrée en matière permettant de se nourrir des mots du poète et d’inscrire en soi déjà quelques paroles frappantes : « écrire par petites touches, de petites touches dures, la brièveté issue du cœur », ou bien « il y a tant à oublier. La démesure de l’action. La plaie de l’action » et ce terrible « toujours en retard les mots derrière la vitre » ou « je parle en-deçà du lyrisme, devant la porte du jardin toujours fermée ». Je choisis à dessein ces extraits pour évoquer cette « plume qui ne triche pas, qui n’appuie pas, quasi silencieuse ».
     Aspects que va développer François Lallier, qui a bien connu P.-A. Jourdan rencontré dans les années 70 et qui a vécu avec lui une sorte de compagnonnage. Au moment où ils se sont rencontrés, F. Lallier était encore très jeune et centré sur Daumal et Jouve mais il explorait déjà la question de la relation entre la poésie et une certaine expérience spirituelle ; la question qui fut pour les deux amis le noyau de conversations nombreuses et familières, lors de « fragments d’existence commune » autour de ce point essentiel et premier, correspondant à la notion, chez Daumal, d’ « expérience fondamentale ». Cette rencontre du réel, ce réalisme, donnés dans l’expérience, noyau de réalité sur lequel la poésie va pouvoir se fonder. Il s’agit de s’approcher de quelque chose qui n’est pas dépendant des mots, qui à la fois les déborde et les justifie. L’écriture étant vécue comme une approche de cette « frontière où les mots s’effacent parce qu’arrive quelque chose d’autre, qui demande que l’on soit plus transparent ». Il y a, pour François Lallier, à la fois un « dépouillement, un désencombrement et une hospitalité » actifs en particulier dans les fragments entendus au début de la rencontre. Expérience liée aussi à la terre de Provence, ce territoire du Mont Ventoux [à Caromb, où se trouvait la maison où les Jourdan passaient les vacances] « dans le dépouillement face à quelque chose qui nous ignore, indifférent à nous et qui en même temps nous accueille ».

Présence
Fanny Cottençon donne ensuite des extraits de Ciel absinthe, poèmes de 1973, texte d’abord publié dans la revue La Traverse de Paul de Roux et qui marque un moment du basculement dans l’œuvre, une certaine déprise de la poésie (du vers) pour aller vers une autre forme d’écriture.
Puis c’est au tour d’Elodie Meunier d’évoquer sa rencontre non pas avec l’auteur qu’elle n’a pas connu [Pierre-Albert Jourdan est mort en 1981, à l’âge de 57 ans] mais mais avec les écrits, qui l'ont profondément nourrie et qu'elle essaie de comprendre au plus juste et de faire mieux connaître depuis bientôt dix ans. Dès ses premières lectures, elle fut sensible à cette « dimension de recherche plus large, de présence plénière, de conscience très profonde de soi, de l’autre, du monde », en accord bien sûr avec de nombreuses traditions spirituelles, où il s’agit de « se défaire des savoirs, ces branches mortes », une écriture qui sait qu’elle peut se prendre pour une idole, et où le « tu » est réflexif, répondant ainsi à la question posée par Jean-Baptiste Para de savoir si P.-A. Jourdan était un « maître » : « un compagnon de recherche plus qu’un maître » pour ses lecteurs. Une parole qui n’a rien de magistrale, une parole « fraternelle, familière, exigeante ».

Port-des-Singes
Nouveau temps de lecture, occasion d’admirer l’équilibre de cette rencontre, témoignages, analyses, sans pesanteur et retour par trois fois aux textes, sur lesquels on peut ensuite prendre appui pour mieux comprendre ce qui se dit, pour se faire une image intérieure du poète. Cette fois ce sont des extraits de l’Espace de la perte, après un bref rappel de la bipolarisation de la vie entre l’Hay-les-Roses, la ville, un travail dans un ministère, cet univers urbain où « personne ne nous regarde et où nous ne regardons personne » mais où le poète est présent, note des visages, des expressions. On entend aussi le très beau poème en prose « Rame » : « une seule rame, faite de plus rien et peut-être tu verrais l’autre rive ? » et « cette fête de ton corps soudain vide de questions ».
Alain Lévêque, très ému, parle de sa rencontre en 1976 avec P.-A. Jourdan, via la revue La Traverse (huit numéros) de Paul de Roux et la nécessité pour ce dernier de passer en quelque sorte le flambeau à quelqu’un d’autre. Ce sera Pierre-Albert Jourdan qui crée Port-des-Singes (titre en référence à Le Mont Analogue de René Daumal) et publiera neuf numéros de 1974 à sa mort (le dernier numéro sera posthume) et qui va faire quelque chose de complètement différent de La Traverse.
Avant de parler de la revue, Alain Lévêque insiste sur le fait que pour lui P.-A. Jourdan est avant tout un poète, marquant peut-être ainsi une certaine réserve par rapport à la notion ambiguë de spiritualité tant évoquée depuis le début de la rencontre. Il s’agit d’être au monde de la manière la plus présente possible, le poète étant décrit comme « un fou de la terre », en contact immédiat et en accord avec le donné naturel du monde, dans un rapport presque jubilatoire, avec une forte présence du corps (quelque chose du jazz, notion que l’on retrouve dans la revue Europe dans un texte absolument magnifique de Jacques Réda). Un être « accordé » donc, qui a ensuite profondément souffert dans son existence de salarié banlieusard. En forme d’anecdote, Alain Lévêque rapporte ce que l’écrivain lui avait dit de lui, avant leur première rencontre, pour qu’il puisse l’identifier « un petit mec avec une grande bacchante, qui ressemble à Brassens ». Il revient sur Port-des-Singes, revue conçue non pas comme une revue de poésie ni de spiritualité mais comme « une secousse », une « action de sauvetage », pour « se donner des compagnons de route », dans la recherche du sens qui fonde la poésie. La revue est le prolongement de l’œuvre, « une gifle tendre qu’il s’adresse et qu’il nous adresse ». Il ne voulait pas que des écrivains « s’installent dans sa revue dans la satisfaction des mots ». Projet d’une très haute exigence, puisqu’il s’agissait au fond en même temps de dépasser et d’épouser la condition humaine dans ce qu’il a appelé par ailleurs le « jardin de rattrapage ».

Un bref aperçu du cahier d’Europe
Pour conclure, quelques mots sur les 80 pages consacrées à Pierre-Albert Jourdan dans le numéro de mars de la revue Europe[3] sous le beau titre, « Pierre-Albert Jourdan, Le Souci du monde ». Textes de réflexion, notamment une belle introduction du maître d’œuvre du dossier, Elodie Meunier, mais aussi d’Yves Leclair, éditeur de l’œuvre au Mercure de France, des inédits, fragment,  poèmes, lettres adressées par René Char, Philippe Jaccottet, Lorand Gaspar ou à sa fille Fabienne, alors âgée de 12 ans (et disparue prématurément en novembre dernier au moment où s’achevait la préparation de ce cahier d’hommage à son père). On lira aussi ce texte de Jacques Réda que j’évoquais plus haut, des poèmes d’Yves Bonnefoy et Paul de Roux et un grand entretien avec Roger Munier, des contributions de Alain Lévêque revenant sur l’histoire de la revue Port-des-singes et de François Lallier sur la rencontre Char/Jourdan, autour de « La Bataille de tisons ».
Il me semble que la seule énumération de ces noms témoigne de l’importance de ce poète méconnu  qu’est Pierre-Albert Jourdan !
©florence trocmé

photos ©florence trocmé, de haut en bas, la  vitrine de la librairie Tschann, Jean-Baptiste Para, Fanny Cottençon, François Lallier, Elodie Meunier, Alain Lévêque et la revue Port-des-Singes

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[1] Europe, mars 2007, n° 935

[2] voir dans Poezibao la fiche bio-bibliographique de Pierre-Albert Jourdan ainsi que les différents extraits déjà publiés et notamment ceux que j’ai choisis ce lundi 12 mars, au lendemain de la rencontre.

[3] Les autres temps forts de ce numéro étant un dossier Gérard de Nerval très substantiel et une belle suite sur le poète tchouvache Aïgui

Présentation d’Armelle Leclercq, au Pannonica (Maison de la Poésie de Nantes) le 7 mars 2007, par Jean-Pascal Dubost

Jean-Pascal Dubost a présenté le livre d'Armelle Leclercq, Pataquès, au Pannonica (Maison de la Poésie de Nantes), ce 7 mars 2007. Il a bien voulu me confier pour Poezibao cette introduction. Je donnerai prochainement deux ou trois extraits de ce livre dans l'anthologie permanente.

À ce jour, Armelle Leclercq n’a publié qu’un seul livre, Pataquès, en 2005, aux éditions Comp’Act, et une toute mince plaquette, Éclaboussures en bord de mer en 2006.
Sa formation intellectuelle l’a menée à fréquenter les textes anciens, ceux du Moyen Age, et fréquenter les textes de cette période, c’est remonter le cours de la langue française, s’approcher de ses sources, goûter, par le savoir, ses saveurs.
Et lire Pataquès, sous-titré "Belleville-Le Caire", c’est réapprendre la saveur de la nôtre langue, c’est entr’entendre du beau monde dans la voix de la poète, de la lyrique et de l’épique médiévales à William Cliff, quand le poème montre son respect pour la tradition métrique et pour le chant, en passant par Corbière et Laforgue, quand l’argot ou le parler populaire désaccordent irrévéremment, par Baudelaire, quand les poèmes sont saynètes urbaines, par la poésie arabe, pour les références à sa lyrique, par Raymond Queneau, grand adepte du pataquès et du parler populaire.
Ça polyphone.
Pataquès nous suggère, à travers des snap-shots du quotidien, de prêter l’oreille au monde tout à l’environ. Mêlant le savant langage de ses lectures au parler populaire de ses attentions auditives (édonc ça dissone un chouïa itou), l’arabe au français, Armelle Leclercq veut aussi faire entendre dans la métaphore de l’écart géographique et culturel – les poèmes sont localisés à Belleville et au Caire – ces liaisons imparfaites qui se font entre gens de culture diamétralement opposée. Il y a dans ce livre une intention politique, une poète au cœur de la cité.
Le mot « pataquès », je le rappelle, désigne ce qu’on appelle une liaison vicieuse, un « t » final se substituant à un « s », genre « c’est pas-t-à moi », ou un « z » ajouté pour éviter un hiatus, genre « c’est sain-z-et-sauf que le maire rejoignit ses invités » (Raymond Queneau), c’est une liaison « mal-t-à-propos ». Son origine est une imitation comique de la faute de liaison « je ne sais pas-t-à qui est-ce ». Je laisse chacun s’interroger sur les multiples portes qu’ouvre ce mot-titre.
Ce que j’aime, dans cette poésie, outre son métissage, ses niveaux de langue, son érudition, son mixing de mots, c’est la discrétion derrière un humour jaune tantôt grinçant d’une poète inquiète de sa place dans le monde et consciente du danger d’absorption par une langue appauvrie par la norme sociale visant à assujettir chacun dans une langue sécuritaire et protectionniste. Quelle langue parlera-t-on ? Le franco-franco-français ? Ce serait bien triste… Il faut ouvrir sa langue au monde, nous dit Armelle Leclercq.

©Jean-Pascal Dubost

Avec Claude Vigée, dans le temps du deuil

Avec Claude Vigée, le temps du deuil

 

Vivre, c’est être là[1]

 

A l’heure de rédiger quelques mots pour rendre compte  d’une lecture, d’un événement, j’essaie toujours de me replacer dans l’état d’esprit qui fut le mien dans ces instants-là.
Aujourd’hui, m’apprêtant à tenter de dire les moments vécus hier auprès de Claude Vigée, c’est un état d’âme bien plutôt que je voudrais tenter de décrire. Une émotion, profonde, puissante. L’évidence d’avoir vécu un événement très particulier.

Annoncée sur le papier, une simple invitation : l’University of London Institute à Paris proposait ce mercredi 21 février 2007 une rencontre avec le poète Claude Vigée, présenté par Anne Mounic, spécialiste reconnue de son œuvre poétique.
Rencontre décidée de longue date.
Et puis, entretemps, le deuil pour Claude Vigée. La perte, le 17 janvier 2007, d’Evy, celle qui fut la femme de toute sa vie, sa cousine germaine, aimée dès l’adolescence, épousée jeune et avec laquelle il aura vécu plus de soixante-dix ans (Claude Vigée a aujourd’hui 86 ans). Et cette rencontre programmée, la première sortie  après l’inhumation à Bischwiller et un court séjour en Alsace, après aussi une promenade au Ranelagh dont il sera question un peu plus tard.

La poésie comme une unité d’être

Anne Mounic commence par dresser les grandes étapes de la vie de Claude Vigée[2], rappelant à quel point elle fut itinérante (l’Alsace natale, l’exil aux États-Unis, les années à Jérusalem puis Paris), évoquant la pratique de pas moins de sept langues : l’alsacien et le judéo-alsacien dont il est sans doute un des derniers locuteurs, le français, l’anglais, l’allemand, l’espagnol et l’hébreu. On se rendra vite compte à quel point les traditions, littéraires notamment, se mêlent dans l’imaginaire et la mémoire de Claude Vigée, de Shakespeare à Goethe, de Rilke à Saint John Perse, en passant par T.S. Eliot, Baudelaire et toute la tradition hébraïque, la Kabale, le Talmud, le Zohar et la Bible bien sûr. Et Anne Mounic de montrer que le lieu de l’unité de cette vie est la poésie. La poésie comme une unité d’être est au demeurant le titre qu’elle donne à sa communication. Elle insiste sur le refus du dualisme qui habite le poète, et revient sur la notion de jouï-dire et l’analogie constamment faite entre l’acte sexuel et l’acte poétique qui « témoigne du vivant et l’engendre dans l’instant de feu du poème ».
Claude Vigée explique que dans le Talmud, le religieux et le charnel se mêlent intimement et évoque une première fois ce tout récent poème, écrit quelques jours auparavant et qui montre lui aussi comme vie de l’esprit et vie du corps ne sont jamais séparées. Le rythme de la marche, retrouvé après les premières semaines du deuil, dans une promenade au Ranelagh : « pendant la marche ça s’éveille et ça trouve les mots qu’il faut »,. Revenant sur la question d’Anne Mounic, il dit avoir précocement laissé éclore en lui la conscience d’une sexualité relevant à la fois du religieux et du charnel,  autour d’une triple quête : celle de la jouissance,  puis la réception de la « dilection de l’amour », l’amour naissant qui répond à la présence d’un autre être et enfin la quête du salut, « trois forces qui se sont donné la main pour ne plus lâcher prise ». Et de s’étonner de sa longévité, lui l’enfant fragile, lui dont tous les proches ont disparu, lui qui n’aimait pas le sport sauf « marcher, nager, courir, faire de la bicyclette ». Et de sa « résilience » à la fois mentale et corporelle [et l’homme qui est là, vraiment là de toute sa présence, alors même qu’il est dans l’ombre du deuil, est en effet extraordinairement beau, vivant, suivant les méandres et les digressions souvent complexes de sa propre pensée sans un instant d’hésitation, faisant monter de sa mémoire des citations entières de Saint John Perse, de Baudelaire, s’agaçant mais à peine de ne pas trouver la fin d’un énième vers!].

 

Les grands maîtres
C’est que l’idée de l’énergie vitale et créatrice est très forte, énergie qui « s’exerce aux frontières actuelles, en défiant cette précarité ». « Je suis un être de défi », dit Claude Vigée, « d’accord avec tout le monde à condition que ce soit mes idées », ajoute-t-il avec humour, se décrivant comme « un mauvais esprit prudent ». Mais comment tout cela est-il possible, s’interroge-t-il, comment faut-il comprendre, comment non pas jouer le jeu, mais jouer son rôle, sa partie ? Avec l’aide en particulier de Shakespeare, du Goethe du premier Faust et de Conversations avec Eckermann qui lui ont permis de reconnaître, dès l’adolescence, ce qui était en lui mais pour quoi il n’avait pas encore de mots, « dette à jamais ». Il revient sur la question de la jouissance, montrant qu’il n’a jamais succombé à la « double tentation », d’un côté être un automate égocentrique au service de sa seule volupté personnelle (machine à sexe) ou de l’autre côté s’imposer un ascétisme moralisateur. S’intercale ici sur le ton de la conversation intime, une première évocation d’Evy, sa cousine, leur approche commune de la sensualité, leurs dialogues sans fin, les confidences qu’ils se faisaient alors qu’ils n’avaient que seize, dix-sept ans et puis plus tard la découverte des caresses et cette tranquille assertion que « la vie érotique est une manifestation évidente de la grâce divine ». Puis de dire, avec autant de simplicité « le bonheur appartient maintenant à autrefois depuis quelques semaines ». Comment devenir, comment rester vivant, maintenant ? L’échange de ce jour est présenté comme l’occasion d’une « remontée comme le nageur qui a touché le fond » car il faut « apprendre à vivre encore un peu, la dernière étape ». Claude Vigée à la fin de la rencontre remerciera l’assistance d’avoir rendu possible cette « libération ».

 

Le surgissement du poème
Anne Mounic tente de ramener, sans beaucoup de succès, Claude Vigée à des aspects plus théoriques de son travail. Lui revient au concret du surgissement du poème, évoque ses premiers écrits au commencement de la guerre, influencés à la fois par Valéry et Baudelaire. Quand survint la publication du statut des juifs. Son exode vers Toulouse, sa difficulté à se situer dans ce chaos, seul, sans maître, sans directeur de conscience. Sa découverte de la Bible au contact de jeunes juifs. La poésie qu’il continue à écrire, les études de médecine interrompues mais qui lui auront laissé le temps d’être confronté là aussi à la mort, par la dissection de cadavres (« qui n’étaient pas en plastique comme aujourd’hui »). Sa découverte qu’écrire une œuvre où on ne tienne pas compte de tout ce qui arrive est impossible : « il fallait donc en même temps faire fusionner le récit (témoignage, distance), la prose, la narration, la méditation sur ce qui arrivait, était arrivé et les moments d’exaltation ». Répondant ainsi à la question posée par Anne Mounic sur cette forme particulière par lui inventée, le judan, associant la poésie et le récit, ce dernier souvent d’une crudité, d’une concrétude (Lévinas) réelles, les faisant fusionner.
« On avance dans la vie en boitant », dit-il évoquant Jacob et sa lutte avec l’ange, on associe le mouvement de la prose, horizontal et celui de la poésie, vertical. Il s’arrête sur la lettre aleph, la première lettre de l’alphabet hébreu, de valeur numérique 1, en fait une lettre muette qui a toutes sortes de valeurs vocaliques.

« Brûlez l’échafaudage »
Suivant un chemin apparemment vagabond mais en réalité très cohérent, Claude Vigée passe à Saint-John Perse qu’il a bien connu aux États-Unis et qu’il est allé voir plusieurs fois. Il relate cette conversation étonnante où Saint-John Perse lui parlant précisément de cette fusion que tente le jeune écrivain du récit et de la poésie, lui dit que les choses du siècle ne devraient pas apparaître dans la poésie, que l’expérience doit être cachée et transformée, concluant en disant « brûlez l’échafaudage », le poème à part, la prose à part. Il évoque aussi la question des rapports de Saint-John Perse avec Claudel qui dans la maison de Francis Jammes tenta de convertir Alexis Saint Leger Leger et ce dernier de dire « il n’a pas réussi parce que je suis sauvé de naissance ». Remarque sidérante qui va poursuivre Claude Vigée pendant des années (« quel toupet » !) jusqu’à ce qu’il rencontre en 2003 Loïc Céry, jeune spécialiste de Saint John Perse, qui lui expliquera que l’expression vient tout simplement des origines du poète, né à La Guadeloupe où  est « sauvé de naissance » qui est issu de la bourgeoisie blanche créole, descendant des premiers colons, un béké ! Quant à l’échafaudage, Claude Vigée invoque Homère et Dante comme presque seuls à avoir réussi à fusionner l’expérience de la vie et son horreur. « Il n’y a pas de consolation, mais une juxtaposition de l’inconsolable et de la joie ». Invoque cette fois Baudelaire conscient de la double origine du poétique, le noyau pulsant originel, le « démonique », l’aleph d’une part et les « Petites vieilles » de l’autre, l’horreur de la vie sauvée parce qu’elle est assumée [je note à cet instant les innombrables vers que Claude Vigée sait par cœur et son regard tourné vers l’intérieur en quête de quelques bribes qui lui échappent, il y revient, deux fois, comme s’il sondait sa mémoire, sûr de les retrouver, il tâtonne assemblant les mots, les rejetant, les réassemblant]. Et le poète de dire encore, comment dans sa propre « arrière-boutique » il y a un mouvement giratoire, kaléidoscopique entre ces deux opposés. Le malgré tout, le peut-être.
Le peut-être ? A Jérusalem, il a étudié les grands livres de la tradition hébraïque et avec ses maîtres, a longuement discuté de la question du Buisson ardent et du nom de Dieu, le « je me ferai devenir que je ferai devenir » traduction de YHVH et qu’un jeu de lettres très savant permet de transformer dans le mot hébreu qui veut dire peut-être : « le nom de Dieu est peut-être  et ce que j’ai à dire est de cet ordre-là, pas plus, pas moins, le reste, gageure, folie, danse » conclut le poète.

 

Le temps des lectures
Vient ensuite le temps de la lecture de quelques poèmes, admirablement dits par le poète, voix du poème, lestée de silences, qui laisse le temps d’entendre les résonnances. Poèmes extraits d’un recueil de la fin des années 80, Apprendre la nuit, paru chez Arfuyen avec les poèmes « L’œuvre de l’araignée noire » ou encore « Petite musique d’automne » où l’on entend « la mémoire enfermée au cœur absent des choses »  et que « l’âme spirituelle entend ce qu’elle ne comprend pas ».
Puis des textes issus de Danser vers l’abîme publié en 2004 et en particulier « La Barque dans le vieux Rhin ».

Enfin, bouleversants, les poèmes du deuil. Dont le premier, écrit alors qu’Evy venait de s’éteindre, lui seul auprès de sa dépouille de trois heures à sept heures du matin, dans la nuit mortuaire, poème né en trois langues, l’hébreu, le dialecte alsacien, le français, poème lu de nouveau devant la tombe ouverte au cimetière de Bischwiller. Puis cet autre poème écrit la veille du 30^e jour après le deuil, jour où dans la tradition juive on allume une lumière. Avec l’évocation dans les textes de deux expériences profondes du deuil, une incursion dans la penderie, dans « l’armoire d’Evy » et tout au fond de cette armoire « la douce laine de la mémoire » et la découverte dans un porte-monnaie vide abandonné dans un caddy de courses de cinq tickets de métro, qui n’auront pas été utilisés.
Non pas anecdotes mais bien plutôt clôture de ce moment que le poète nous a donné à partager, quelques amis et quelques anonymes, démontrant au terme de ce parcours dans l’œuvre et dans le deuil comment il savait mêler le concret et le spirituel. Comme il a bien fait de ne pas écouter le conseil de Saint John Perse de ne pas avoir brûlé, de ne pas brûler l’échafaudage.

©Florence Trocmé

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[1] La maison des vivants, La Nuée bleue, 1996, p. 111.

[2] Voir la note bibliographique de Poezibao

Un entretien entre Jean-Michel Maulpoix et Alain Duault

La conversation chez Lipp

Le cercle Aliénor recevait ce samedi 10 février 2007 Jean-Michel Maulpoix. Au cours d’un riche entretien avec Alain Duault, il est revenu sur quelques-unes des idées-forces qui l’animent en tant que poète et qu’essayiste travaillant sur le thème de la poésie
Plus qu’à une interview, c’est à un entretien, dans le beau sens du mot, que les auditeurs du cercle Aliénor furent conviés par Alain Duault et Jean-Michel Maulpoix. En présence, deux poètes, le premier, Alain Duault, musicologue, réalisateur de nombreuses émissions radio et TV sur la musique mais aussi écrivain. De l’autre Jean-Michel Maulpoix, figure du monde de la poésie contemporaine, professeur, essayiste (le dernier essai en date, Adieux au poème, et poète)[1]
Après un court « prélude », Alain Duault s’est livré au jeu des questions, « 25 questions, en lisant Jean-Michel Maulpoix ». Je ne saurai sans doute rendre compte de l’intégralité foisonnante de cet entretien mais tenterai ici d’en donner un aperçu aussi riche que possible

Prélude
Bien sûr, le mot était choisi à dessein par Alain Duault qui a ouvert la conversation avec l’évocation d’une œuvre du musicien américain Charles Ives, inaugurant en 1906 la modernité avec La Question sans réponse : une question posée six fois de suite par la trompette en sourdine à laquelle répond un quatuor de flûtes de plus en plus grinçant, tandis qu’à la fin les cordes tissent une sorte de linceul harmonique. La poésie, n’est-ce pas creuser au cœur de la langue pour poser une question qui la dépasse ? A l’heure des « langues de communication » envahissantes, « la poésie n’a-t-elle plus pour objet que ce que les langues ne savent plus ?»[2]. Ne lui faut-il pas se jeter à corps perdu dans ce nouvel inconnu, sans grammaire préétablie, car « cela à quoi jadis mythes et religions se chargeaient d’apporter leur lot d’images et de réponses, il importe au poème d’en poser vivement la question » ? [3]

Mais « la loi inhérente à tout poème est la recherche désespérée, quoique désespérée, de la beauté »[4]. Question sans réponse au cœur de la poésie, à laquelle Jean-Michel Maulpoix s’efforce de réfléchir dans ses essais, notamment Du Lyrisme, Le Poète perplexe, Adieux au poème. Mais aussi comme poète d’Une Histoire de bleu ou de L’Instinct de ciel. Car sa « rumination » le conduit à tenter d’ouvrir une perspective nouvelle pour l’écriture poétique, permettant d’espérer un « repeuplement ». Sauver l’idée de poésie, la confiance en une respiration possible de la langue. Programme exaltant auquel Jean-Michel Maulpoix répond en mettant la poésie au cœur d’une activité critique : « la poésie met le langage en état critique »[5]

De quelques questions
En premier lieu, cette salve : d’où viens-tu, à quel moment as-tu commencé à écrire et que lisais-tu ?
De Franche-Comté sera la première réponse du poète, entre Vosges et Jura, « né dans un couloir géographique et social ». Son père est un « journaliste de province », que très tôt l’enfant accompagne un peu partout. Sa découverte de la poésie se fait « en vrac », ce qu’on lui donne à lire au collège, au lycée, ce qu’il trouve à la maison, Paroles de Prévert par exemple. Quant à l’écriture, elle apparaît dès huit ou neuf ans, d’abord par jeu, par plaisir de s’emparer des mots et de s’amuser avec eux. Plaisir ludique et concret qui s’exprime dans ce premier poème dédié à un petit établi de menuisier reçu en cadeau ! Puis vient le temps d’une première « cristallisation », celle de l’adolescence, écriture pour soi, se confier à soi, s’analyser, le temps du narcissisme. Qui débouche vite sur un troisième temps, « reconnaître l’écriture comme activité en elle-même ». Premiers essais sur la machine à écrire paternelle, premier recueil « publié » en classe de troisième et surtout fascination pour le livre et les écrivains.
A la question de la forme, la réponse est un inventaire de tout ce que le jeune Maulpoix produisait alors : des proses, des pages de journal, des tragédies (à partir de la vie des grands personnages et des héros des livres de la collection Mythes et légendes qu’il dévorait). A 15 ans il écrit ainsi une pièce Coriolan, riche de 200 vrais alexandrins ! Un mélange donc de prose autobiographique, de vers de tragédie et déjà d’une poésie lyrique.

Rupture ou crise ?
Est-ce que la poésie implique rupture avec la tradition ? Jean-Michel Maulpoix énumère en premier lieu quelques contre-exemples, Saint John Perse, Valéry, René Char et précise qu’il n’a jamais adhéré à l’idée que la poésie impliquait forcément une rupture. Il préfère retenir le terme de crise. Soulignant que la place de la crise dans la biographie de nombreux poètes est un sujet insuffisamment étudié : Valéry et sa nuit de Gênes, Ponge, Claudel, Rimbaud, Michaux, Cendrars. Comme si l’expérience poétique, au moins à ses débuts, s’accompagnait d’une fragilisation du sujet. Avec ce constat que l’écriture poétique accompagne souvent de près la crise du sujet.

A la question « qui dit Je dans la poésie ? », le poète répond « c’est moi » et ajoute après un moment de silence « et tous mes autres », soulignant que cette question de qui parle est centrale dans la poésie, où ne joue pas l’écart entre auteur, narrateur et récit du roman. Qu’est ce qui occupe à part entière le poète, qui parle dans le poème ? Revient la « question sans réponse »,  adossée à celle du lien entre sacré et poésie. L’écrivain évoque ici ses rencontres avec des enfants à qui il parle d’abord des mots, les plus usuels, qui permettent de s’entendre sur les choses puis de ces mêmes mots qui peuvent nommer « un couteau sans lame auquel il manque le manche », donc qui donnent accès à ce qui n’est pas. Mort ? Infini ? « De la langue battue en neige par un semblant de sens ».

Du lyrisme
La question du lyrisme, centrale chez J.-M. Maulpoix, vient alors sur le tapis ! « Le poète insiste, ne chante pas, il interroge, il veille sur la question […] cherche le pourquoi du chant ». Notion à redéfinir que celle du lyrisme, en raison de sa « connotation avachissante ». Il prône en fait un lyrisme critique, notion creusée tant dans les essais que dans les textes poétiques. Il faut tenter de comprendre « à quels enjeux répond le poème, pourquoi il perdure aujourd’hui ? ». Ce mot de lyrisme ? Un néologisme tardif, une notion qui a « mauvais genre ». Et cet aveu que le poète en lui y a beaucoup résisté. Évocation de Flaubert, le premier prosateur à adopter le terme, parlant dans sa correspondance du « double abime du lyrisme et du vulgaire » mais disant aussi  « j’aime tant le lyrisme, il est pour moi la forme naturelle de la poésie », loin donc des « embêtements bleuâtres du lyrisme poitrinaire » ! Jean-Michel Maulpoix se définit comme « héritier de cette convoitise et de cette résistance ». Dans son travail sur le bleu, il a « cité à comparaitre de nombreux éléments, tout ce bleu adorable, Vierge Marie, croyance, infini, azur, mer, lointain ». Mais aussi le blues. Le bleu, « couleur-valise dans laquelle s’additionnent les données fondamentales d’une existence, ce qui nous tire vers l’ailleurs, vers autre chose, l’instinct de ciel (Mallarmé) ». Le lyrisme critique tente à la fois de valoriser son objet et de l’interroger. Le poète évoque aussi l’équilibre à trouver entre un abandon relatif au langage et une retenue, entre confiance et vigilance critique (il dira plus loin à quel point le critique en lui gêne souvent le poète !).

Pas sur la neige
A qui parle la poésie ? « Elle parle d’abord à quiconque ou au quiconque en soi ». Le ton se fait alors insensiblement plus personnel. Conduit à parler de deux livres Domaine Public « livre très bousculé par l’intime » puis de Pas sur la neige, l’écrivain invoque la figure de sa grand mère et raconte comment il a éprouvé ce besoin de lui dresser un « petit tombeau », de lui rendre ce qu’il lui doit, à elle qui lui a appris à lire mais qui portait une douleur dont elle lui a transmis l’héritage. Il relate ce  colloque Valéry, en Allemagne, où Didier Sandre a lu des textes de Valéry « tes pas, enfant de mon silence… et où le pianiste Jeff Cohen a joué Des Pas sur la neige de Debussy. Dans un lieu magnifique, château sur un lac, neige partout lui est soudain venue l’idée d’un recueil intitulé Pas sur la neige, recueil qu’il écrira pendant la canicule de l’été suivant, menant des recherches sur Debussy, la perception de la neige à son époque, les impressionnistes, etc. « Comment dire la neige ? Comment dire un flocon (poétique du flocon) ? ». Mais en même temps « attraper quelque chose de très intime, des pas sur la neige, de qui sont ces empreintes laissées ? » avec surgissement de la figure de la grand-mère : « les pas de l’écriture m’ont conduit là mais je n’ai pas voulu appuyer davantage » « Écrire à l’encre blanche presque sans bruit, neige, le nom d’autre chose, neige, du ciel tombé
Et la beauté ? Est-elle une « ardente obligation » de la poésie ? Comment en effet renouer avec la beauté sans que ce soit artificiel ou réactionnaire. Comme valeur en jeu dans le travail de l’écriture, dans la « chercherie » (Baudelaire). Avec liée à la question de la beauté, celle de l’obscurité. A quoi le poète répond qu’il cherche « des lignes claires sur fond d’obscurité », que l’écriture est un « travail au noir. Opacifier de la blancheur, mettre des pas sur la neige ». « L’homme poursuit noir sur blanc
La poésie est-elle une forme de résistance aux atteintes à la langue ? « envers et contre tout ». Oui, c’est un « élément imprescriptible, le poème s’en occupe avec soin, détermination, délicatesse » dans le « tunnel de l’époque »,[6] le milieu obscur, hostile, paralysant contre lequel il faut poursuivre. L’époque n’est pas porteuse en effet pour les écritures poétiques. Tout décourage, manque d’audience, problèmes de l’édition, violences des conflits et des relations. « Tout ce qui règne dans ou sur l’époque est opposé à ce que cherche à poursuivre la poésie ». Mais à une politique de la tour d’ivoire, J.-M. Maulpoix préfère opposer un « durcissement de l’interrogation ». « Le poème est un petit organisme qui a sa clarté, poursuit obstinément son questionnement et par là même est résistant ».
Il faut donc « mettre en observation ce temps, continuer de dire son contraire, souligner l’instinct de ciel ».
©florence trocmé

Photos ©florence trocmé, de haut en bas : 1. Alain Duault à gauche et Jean-Michel Maulpoix à droite ; 2. Alain Duault ; 3. Jean-Michel Maulpoix

Ndlr : j’ai tenté de transcrire le plus précisément possible les diverses propos de Jean-Michel Maulpoix ainsi que les nombreuses citations dont l’entretien a été émaillé. Mais je ne peux en garantir la rigoureuse fidélité.

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[1] Les deux poètes sont présents dans Poezibao, pour notes bio-bibliographiques et extraits de leurs œuvres, consulter l’ index de Poezibao
[2] Yves Bonnefoy.
[3] Ibid
[4] Michaël Krüger
[5] Sauf mention particulière, les citations sont extraites de l’œuvre de Jean-Michel Maulpoix
[6] Mallarmé

 

Mathieu Bénézet et Yves Di Manno, hier soir, 5 février 2007, à Paris

Le Lundi des poètes rassemblait hier soir, lundi 5 février 2007 à Paris, à l’hôtel Claret, juste derrière le Palais Omnisports de Bercy, deux poètes importants, Mathieu Bénézet et Yves Di Manno. Un troisième était attendu mais ne vint pas au grand dam de l’assistance, j’ai nommé Ludovic Janvier.

A quelque chose malheur est bon, cela a permis d’entendre plus longuement Yves Di Manno et Mathieu Bénézet. Dans cette toute petite salle, en sous-sol, intime, chaleureuse, une trentaine de personnes ont eu le privilège de les écouter et de sentir leur complicité

Après une courte présentation par Jean-Pierre Siméon, directeur artistique du Printemps des Poètes, organisateur du Lundi des Poètes, Yves Di Manno a ouvert le feu, soulignant que tout un temps il a écrit relativement peu de poésie mais que semblait s’amorcer pour lui aujourd’hui un retour vers ce mode d’expression. Interrogé après la lecture il m’a confié cependant qu’il ne pensait pas que ce travail aboutirait à un livre avant deux ou trois ans. Il en a lu quelques extraits, deux ou trois séquences autour d’une très belle histoire de peintures et de tableaux lacérés, variation sur un thème de l’auteur Russell Greenan.

J’ai été très émue d’entendre à la fin de la lecture de ce texte Mathieu Bénézet se tourner vers lui et dire « c’est beau » et je crois que c’était le sentiment de tous ceux qui étaient là. Yves Di Manno dont il faut rappeler ici le travail de passeur de poésie via la collection qu’il dirige chez Flammarion. Plusieurs de « ses » auteurs étaient présents et ce fut aussi l’occasion de beaux échanges après la lecture, j’y reviendrai.
Yves di Manno a également lu un texte « en marge de Jack Spicer » dont Le Bleu du Ciel vient d’éditer l’œuvre et j’ai saisi à la volée, cette réponse terrible à la question « qu’as-tu fait ? » : « ôté du silence au silence ».

Puis vint le tour de Mathieu Bénézet présent aujourd’hui dans l’anthologie permanente de Poezibao, très grand poète, à l’œuvre puissante, souvent très dure, âpre, douloureuse. L’homme est à la hauteur de sa poésie, bouleversant. Et si la séance a commencé avec de la part de deux ou trois auditeurs une pointe d’hostilité en raison de la cigarette allumée par Mathieu Bénézet, cette hostilité s’est vite dissipée à l’écouter lire. De très beaux textes, à peine susurrés, mais ponctués de silences, où revenaient les noms de Pétrarque, de Francis Ponge, de Hol et de Val (dont Mathieu Bénézet nous précisa, avec un petit sourire en coin, qu’il s’agissait de Hölderlin et de Valéry).
Après la lecture, il est aisé d’approcher les poètes et de parler avec eux. Yves Di Manno m’a parlé des prochaines parutions chez Flammarion et notamment un livre d’Esther Tellermann et un autre reprenant une part importante de l’œuvre d’un poète prématurément disparu et dont une partie de l’œuvre n’a pas encore été éditée, Guy Viarre
Mais comme je l’ai dit, plusieurs poètes édités par Flammarion étaient aussi présents : Ariane Dreyfus et Isabelle Garron toutes deux publiées depuis peu dans Poezibao, Ariane pour un document donnant à voir le travail de composition d’un poète, Isabelle pour son livre tout récemment paru Qu’il Faille. J’ai aussi pu rencontrer Stéphane Bouquet qui vient de publier Un Peuple et qui sera très rapidement introduit dans le site Poezibao.
J’aimerais par cet article, qui est un papier d’impressions plus que d’analyse ou un compte rendu objectif, inciter ceux qui le peuvent à se rendre aux lectures des poètes. Le Printemps des Poètes a lieu du 5 au 18 mars 2007, de multiples évènements vont avoir lieu dans toute la France (je renvoie au site du Printemps des Poètes) et écouter la poésie est une expérience très riche et gratifiante.

Photos©florence trocmé, de haut en bas, 1. Jean-Pierre Siméon, Mathieu Bénézet et Yves Di Manno, 2. Jean-Pierre Siméon, 3. Yves Di Manno, 4. Mathieu Bénézet à gauche et à l'arrière-plan Yves De Manno
Les photos peuvent être agrandies par simple clic sur l'image

Dans Poezibao :

Yves Di Manno :
Note biobibliographique, lecture Double Change (nov. 05)

Mathieu Bénézet : 
Note bio-bibliographique,
extrait 1, extrait 2, extrait 3, extrait 4, extrait 5,
Mais une galaxie,

Ariane Dreyfus :
note bio-bibliographique, extrait 1, extrait 2, aux Mercredis du Poète (oct. 06), un Chantier de poème

Isabelle Garron :
Note biobibliographique, extrait 1 et présentation de Qu’il faille

Juan Gelman, Jacques Ancet et la traduction

Traduire, une opération d’amour

 

Ce 26 janvier 2007, à l’Institut d’Etudes hispaniques, le poète et traducteur Jacques Ancet[1] donnait la première leçon du séminaire PIAL[2]

Il avait choisi de présenter l’œuvre de Juan Gelman et les problèmes de traduction qu’elle pose.
En deux heures de temps, il a dressé la figure du poète argentin, brossé sa vie tragique, analysé plusieurs poèmes et les composantes de son style où se mêlent l’héritage des grands mystiques et celui du tango pour terminer sur une méditation, je choisis ce mot fort à dessein, sur ce que signifie traduire.

Jacques Ancet est parti du livre récemment publié L’Opération d’amour[3] pour ouvrir sa présentation de Juan Gelman[4]. Le titre du recueil original est Citas y commentarios, mais ce titre, très dans la veine de Juan Gelman qui déteste les titres poétiques, risquait de rebuter le lecteur français et de nuire à l’introduction de ce très grand poète encore totalement méconnu pour ne pas dire inconnu en France. Jacques Ancet a donc proposé à Juan Gelman de choisir le titre L’Opération d’amour, d’après une citation de Thérèse d’Avila. Avec dès ce moment un aperçu humoristique sur la question de la traduction. Dire en effet Les Opérations d’amour aurait fait « bloc opératoire » et Opération amour « James Bond ». L’opération d’amour évoque, elle, la transmutation, l’alchimie, la douleur transfigurée en amour, dans une vraie proximité avec la thématique du livre.
Car Juan Gelman a une vie tragique et sa poésie est « combattante, fraternelle, blessée, fulgurante »[5], une poésie « violente et tendre ».
Il a fallu près de six ans pour que ce livre voie le jour en France et c’est grâce à l’insistance d’André Velter auprès d’Antoine Gallimard que cette publication a été possible.

Une vie tragique
Jacques Ancet trace les principaux moments de la vie de Juan Gelman, né en Argentine en 1930 et marqué dans sa chair par la tragédie de la dictature argentine puisque s’il n’était pas présent lorsque la police militaire s’est présentée chez lui, elle a arrêté sa fille, son fils et sa belle-fille enceinte. Sa fille en réchappera par miracle, mais pas son fils dont on retrouvera le corps en 1989 dans un baril rempli de ciment et de fer, jeté dans un canal ; ni sa belle-fille qu’on laissera mener sa grossesse à son terme pour lui voler son enfant avant de la faire disparaître, enfant qui sera « donné » à une famille de militaires et que Juan Gelman retrouvera après des années de recherche en 1999. C’est donc une vie traversée par la violence, la souffrance et l’errance puisque le poète ne cessera d’aller d’Italie en Belgique, d’Espagne en France, errance de l’exil. Comment écrire au cœur de tant de douleur? « Écrire part de la nécessité d’épuiser une obsession » dira Gelman.

La langue du poète
C’est donc une langue éclatée qui va être celle que se choisit le poète, une langue qui mêle trois composantes au moins : le porteño qui est le parlé populaire de Buenos Aires, sorte de langue maternelle, la seule à pouvoir représenter la patrie, la lumière, les paysages d’une « vie commencée brutalement sectionnée ». Mais à ce parler populaire se mêle la langue des mystiques, le livre étant largement fondé sur des citations et des commentaires de Thérèse d’Avila, de Jean de la Croix, d’Hadewijch d’Anvers, du roi David, d’Isaïe. Les mystiques sont pour Gelman une référence constante parce qu’eux aussi ont été touchés au plus profond d’eux-mêmes par un exil qu’ils ne peuvent pas accepter. Écho d’une impossible présence. Il faut donner écho au passage de quelque chose qui blesse, qui surgit au plus intime du corps. Impuissants à dire, ils ne cessent de parler et ont souvent recours au poème, parole de la non-parole. Jacques Ancet rappelle ici que selon Unamuno, ce sont les mystiques qui ont créé la langue espagnole au XVI^e siècle.
En cet instant, il fait entendre à l’auditoire la voix de Gelman disant l’un des commentaires de L’Opération d’amour, audition qu’il fait suivre de sa propre et très belle lecture de sa traduction en français.
Mais dans cette langue, une autre inspiration, beaucoup plus proche, se fait jour, en plus de la langue d’enfance déjà évoquée (et aussi au demeurant de la langue enfantine), il s’agit des poètes du tango. Il y a dans le livre une vingtaine de poèmes qui sont commentaires de paroles de tangos car comme l’a dit Gelman à Jacques Ancet qui l’interrogeait sur ce sujet : « les paroliers de tango sont des mystiques ». Il y a donc dans le livre comme un chœur de voix dont le poète serait le coryphée, s’adressant à un vos qui est l’autre, le Sud, dieu, l’être aimé, autant de figures magnétiques qui alternent et se superposent, disant l’absence infinie et la présence brûlante.

Grammaire
qui contient donc cette langue des mystiques, elle-même en pleine formation, avec un flottement du genre des mots en particulier, le parler populaire et la poésie des tangos (Jacques Ancet en connaît apparemment plusieurs par cœur et chante même le début de deux d’entre eux !), découvrant à l’intérieur même de certains poèmes des citations presque littérales de tangos très connus comme la Cumparsita harmonisée par Roberto Firpo en 1917.
Autres caractéristiques relevées par le traducteur : un recours important aux diminutifs (« ils domestiquent les grands mots » disait Lorca), l’usage des barres (/), comme ponctuation, à l’exclusion des autres signes, la litanie interrogative et de très nombreux néologismes. Les barres scandent les poèmes pendant plus de vingt ans de la production de Gelman, elles ont une valeur « rythmico-affective », l’écriture est un flux et non pas un discours, pas de majuscules, pas de points, un effet plutôt de tourniquets tournant dans les deux sens. La litanie interrogative enchaîne parfois sur un poème entier comme la « citation XLV » une séquence ininterrompue de questions : il s’agit de mettre en question la réalité par un harcèlement d’interrogations. Enfin, Gelman multiplie les néologismes à partir du privatif des comme dans despradar (dépaterner en quelque sorte), jouant sur la valeur positive & négative du des, arrachement à soi-même, désassimilation, défaut, démoli, détruit et pour l’aspect positif desvolar, désamertumer…. Il verbalise des adverbes ou des substantifs. Dans une sorte de référence à Dante multipliant les néologismes pointant vers l’indicible transhumanar, transhumaner, sintrear, se faire trois, s'imparadizar (s'emparadiser), s'insemprar (se toujouriser), s'inzaffirar (s'ensaphirer)  

Comment traduire ?
Comment traduire en effet toutes ces inventions, cette « langue étrangère dans sa propre langue » et rendue encore plus explosive par les formes fixes retenues par Juan Gelman, qui écrit le plus souvent en octo- ou déca-syllabes. La tension se créant à l’intérieur « comme dans une cocotte-minute »,  la forme fixe rendant les ruptures de syntaxe et de vocabulaire encore plus explosives ! En ce qui concerne la langue des mystiques espagnols, une solution relativement simple s’est offerte, reprendre des tournures anciennes en français pour rendre le côté suranné. Pour le porteño, il n’y a pas de vraie solution et enfin pour les néologismes, Jacques Ancet souligne à quel point il a dû lutter contre une sorte d’autocensure sous-jacente en raison du préjugé répandu que la langue française ne tolère pas bien les néologismes.
Il glisse insensiblement du cas particulier de Gelman à la traduction en général, rappelant la belle formule de Schleiermacher « la langue est un universel singulier ». Rappelant qu’on ne traduit pas une langue mais un texte. Et que l’on rencontre et doit lutter contre les préjugés à chaque page. Comment rendre par exemple les changements du genre des mots fréquents chez Gelman sans faire croire aux correcteurs et lecteurs français qu’on a laissé des coquilles ? Au passage, il brosse un bref rappel historique de ce que fut la traduction au cours des siècles, paraphrase de l’antiquité, littéralité du Moyen-âge, annexion ou adaptation des XVII^e et XVIII^e siècle pour revenir à la « fidélité » au XX^e siècle. Fidélité ? Au plus près du sens, sans en rien changer. Mais quid du sens, quid du texte ? La fidélité lexicale repose sur un concept dualiste du langage et de la réalité. Évoquant Humboldt disant que « aucun mot d’une langue n’équivaut exactement au mot d’une autre langue » et soulignant que « la langue de l’écrivain crée un système de valeurs », que « le sens du mot n’est qu’un aspect du sens général », qu’il y a la notion de rythme « passage d’une présence dans le discours ». Que la traduction n’est pas « une entreprise d’import-export ». Qu’il s’agit en fait de façon beaucoup plus inquiétante de  « tuer le texte de départ pour le re-susciter dans le texte d’arrivée ». Et que le corps ressuscité n’est pas le corps d’origine. Le texte en français n’est que l’empreinte de l’original, il n’est ni du français, ni de l’espagnol, mais du Gelman. En prenant en compte le fait que, selon Blanchot « l’original n' est jamais immobile ». S’en tenir au seul mot à mot est le comble de l’infidélité, c’est « priver le poème de son corps et de sa voix ».
C’est donc sur une très belle méditation sur la traduction que s’est refermée cette séance
©florence Trocmé

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[1] Concernant Jacques Ancet, voir sa note bio-bibliographique sur Poezibao

[2]  Le PIAL, dont Laurence Breysse-Chanet et Ina Salazar  assurent la direction à partir de ce mois de janvier, prend la suite du Séminaire de Poésie Ibérique de l'Institut Hispanique de Paris IV. Il a été rebaptisé Poésies Ibériques et d'Amérique Latine pour manifester la volonté d'ouverture aux poésies d'Amérique Latine, afin que ce lieu de travail soit aussi un lieu de passage, de rencontres entre les poésies de langue espagnole (sans oublier le catalan, et la langue portugaise). Voir le calendrier sur Poezibao

[3] L’opération d’amour, présenté et traduit par Jacques Ancet, postface de Julio Cortazar, Gallimard, 2006

[4] voir la note bio-bibliographique de Juan Gelman sur Poezibao

[5] sauf indication contraire, les guillemets marquent des propos notés de Jacques Ancet, notés littéralement