Poezibao

L'exposition Antonin Artaud à la BnF, compte rendu d'une visite (Tristan Hordé)

ANTONIN ARTAUD

Exposition à la Bibliothèque Nationale à Paris
(jusqu’au 7 février)

 
Les expositions de la Bibliothèque Nationale consacrées à un écrivain ont toujours une qualité évidente : elles donnent envie de lire. L’ensemble consacré à Antonin Artaud offre un parcours très riche pour aborder la complexité de l’œuvre. Antonin Artaud écrivain est évidemment représenté par des éditions originales, celle des Lettres à Jacques Rivière (1927), du Pèse Nerfs avec la couverture d’André Masson (1925) ou de son adaptation du Moine de Lewis (1931). L’écrivain est aussi présent par ses lettres et par de très nombreux manuscrits ; on s’attarde sur les cahiers d’écolier (noircis dans l’asile de Rodez et dans la maison de santé d’Ivry), sur l’écriture rageuse, pressée d’Artaud, sur le dernier projet que la mort a interrompu, 50 dessins pour assassiner la magie.
On aura aussi une idée de l’énergie qu’avait l’acteur Antonin Artaud. Dans une salle réservée à quelques extraits de films, de larges écrans restituent ce que signifiait pour lui « interpréter un rôle » : il est Marat dans le Napoléon d’Abel Gance, il est Savonarole dans le Lucrèce Borgia du même réalisateur, il est le moine Massieu dans La Passion de Jeanne d’Arc de Dreyer. On regardera quelques documents sur son activité de scénariste, notamment avec le scénario de La Coquille et le clergyman, dont il critiqua violemment la réalisation par Germaine Dulac.
L’exposition présente également des documents sur sa mise en scène de Victor ou les Enfants au pouvoir de Roger Vitrac, sur sa pièce Les Cenci, qu’il interpréta avec Roger Blin et Iya Abdy dans un décor de Balthus. On s’attarde aussi sur ses écrits à propos de peintres, avec Van Gogh ou le suicidé de la société mais encore, dès les années 1920, avec son étude de tableaux d’Uccello.
Quelques vidéos (Anaïs Nin, les amis : Henri Thomas, Marthe Robert et Paule Thévenin) donnent chair à l’homme, et plus encore les autoportraits (de 1920 à sa mort), les photographies (de Man Ray notamment), son visage dessiné par Balthus. On prendra le temps de lire les nombreux portraits de ceux qui l’ont aidé et soutenu les dernières années de sa vie, Colette Thomas, Michel de M’Uzan, Lily Dubuffet, Paule Thévenin, etc. Et l’on regrettera sa disparition, le 4 mars 1948, en lisant une lettre de Miro à lui adressée le 25 février : « J’aimerais faire quelque chose avec vous ».
Avant de le (re)lire, j’emporte cette bribe d’Artaud : « pas un être qui soit dans un vrai corps ».
©Tristan Hordé

Nous proposerons prochainement un dossier consacré à Antonin Artaud, avec une bio-bibliographie.

Dates 7 novembre 2006 – 4 février 2007
Lieu Bibliothèque nationale de France – site François-Mitterrand
Quai François-Mauriac – Paris XIIIe
Métro : Bibliothèque – Quai de la Gare
Horaires Du mardi au samedi, de 10h à 19h, le dimanche, de 13h à 19h
Fermeture lundi et jours fériés
Entrée 7€ - TR : 5€
Commissariat Guillaume Fau, conservateur au département des Manuscrits de la BnF

Publication :
BnF - Gallimard
Antonin Artaud
Sous la direction de Guillaume Fau
Broché, 22 x 27cm, 220 pages et 180 illustrations, 40€

Illustration : autoportrait au couteau, 1947, encre et crayon sur papier, département des manuscrits, ©ADAGP, Paris 2006, © Gallimard 

Une présentation de Mireille Fargier-Caruso

Je publie ici le texte de la présentation que j’ai faite du travail de la poète Mireille Fargier-Caruso, dans le cadre de l’Association Arts et Jalons, le samedi 16 décembre 2006, à Saint Mandé.
Ma présentation avait été précédée d’une intervention du peintre Christos Makridadis avec qui Mireille Fargier-Caruso a réalisé des livres de bibliophilie. Il avait apporté de nombreux livres et collages et a donné un aperçu très intéressant sur la façon dont il abordait le texte poétique, avec cette difficulté que connaît bien Poezibao, ne pas illustrer ce texte mais trouver des échos, des résonances.

 

Mireille Fargier-Caruso ou la courbure des voix

Nous qui préférons la courbure des voix
à la force des choses
Contre ciel, 1991

 

Mireille Fargier-Caruso, j’ai entendu ce nom pour la première fois, il y a plusieurs années, au domicile de son éditrice, Paupières de Terre. Celle-ci avait entre les mains le recueil publié au Dé Bleu, Même la nuit, persiennes ouvertes. Elle me connaissait à peine mais elle aimait ce livre, elle avait envie de le faire connaître, elle me l’a prêté. Ajoutant qu’elle aimerait éditer Mireille Fargier Caruso, que cela faisait partie de ses projets. Qui se sont réalisés puisque elle a en effet publié Silence à vif en 2004 et Ces gestes en écho en 2006. 

Plutôt que d’inviter à un parcours chronologique, j’ai choisi une promenade au fil de quelques thèmes qui me paraissent importants. Et pour donner d’emblée toute la place aux textes, j’ai illustré ma courte analyse de nombreuses citations extraites des livres de Mireille et de quelques brèves lectures de poèmes.

L’enfance me semble extrêmement présente dans l’ensemble des livres publiés. Sous plusieurs aspects, réminiscences en forme de plongée à vif dans l’enfance personnelle, mais aussi enfance en soi et plus tard, l’enfance de ses enfants. Et dès l’approche de ce premier thème, je relève le va et vient entre le bonheur et la souffrance, la force de l’ambivalence qui me semble une des tensions fondatrices de tout le travail de Mireille Fargier-Caruso. De l’enfance elle note des épiphanies « tout ce proche qui nous bordait /comme une coquille d’œuf » (Quelques gouttes de soleil et après), mais aussi la peur, la connaissance déjà de l’ombre.

 

Revivre cet abrupt du corps
les heures au bord du ruisseau
à ramasser des pierres jamais pareilles
pour le plaisir de leurs surfaces dures
fraîcheur de l’eau sur les chevilles
les après-midi de chaleur
et cette joie violente quand on attrapait
d’un mouvement brusque des têtards
qu’on rapportait le soir
dans une boîte en fer à la maison
le long du sentier aux buis
où nos rires défroissaient
la peur de l’ombre

dans nos épaules
ces refuges nous escortent

 

(Rendez-vous Septembre)

Dans ce poème, l’enfance convoquée au moyen de quelques moments, quelques images emblématiques qui disent déjà aussi l’importance des sensations et de la nature. La chaleur, l’eau des ruisseaux, les sentiments latents de peur. L’importance de ce bagage dans la vie et l’écriture d’aujourd’hui. Mais aussi la tension, au sein même de l’évocation, du bonheur et du deuil. A peine dit, mais sous-jacent, ce sentiment de perte qui est comme la musique de fond de cet univers.

Fondamentale dans l’expérience enfantine, fondamentale dans la vie, fondamentale dans l’œuvre, la nature, ou plus exactement le corps à corps avec la nature. Pas tant une nature contemplée, observée de l’extérieur donc, mais une nature dans lequel est immergé le corps, un monde de sensations.

une presqu’île un Sud
où la peau prendrait source
traversée d’une soif inépuisable

lent voyage
où le corps épouse la terre
ses élans ses mouches ses promesses

tous les contes des hommes pour frontières
sans date ni épave
une accalmie une chanson d’enfance

au-delà des pourquoi des troubles
on resterait de ce côté
de l’évidence

 

(même la nuit persiennes ouvertes)

 

Ici « la peau prend source » et « le corps épouse la terre ». Il semblerait que l’adulte ait conservé le rapport d’immersion dans la nature qui est celui de l’enfant, qu’elle n’ait pas pris, pas accepté de distance. C’est une des grandes beautés de sa poésie, faire resurgir pour chacun ces sensations si particulières de l’enfance, avant que la conscience de soi n’impose la séparation d’avec le monde. Il s’agit selon ses mots de « croire encore à l’immensité »

De la nature à la lumière, la transition est naturelle. Dire dans cette œuvre l’importance de la lumière, qui est surtout la lumière du midi, l’éclat du soleil, le goût de la chaleur, les jeux de l’ombre, l’importance des persiennes qui habitent les titres mêmes et ouvertes ou tirées, maints poèmes.

Persiennes closes pour la sieste
une échancrure où se dénouent nos soifs

passage à gué entre songe et éveil
on suit le fil d’un cerf-volant
dans un pays qui nous échappe


on met à nu nos visages
à l’écoute des commencements
accord solaire dans la ferveur des mains

sans crier gare
la trame de nos gestes a signé l’invisible

 

(rendez vous septembre)

La lumière, le feu, la cendre, l’ombre, il y a toute une pulsation entre les pôles du lumineux et de l’obscur, dans le domaine physique comme dans le domaine mental. Aveuglement et éblouissement de la splendeur et certitude du transitoire et de de la fin. Sans cesse la parole poétique passe de l’un à l’autre, et la persienne déjà évoquée devient comme l’emblème de ce « strié » de l’expérience du monde. Fait de la splendeur méridionale de la lumière, mais aussi de la cendre de ce qui est perdu. Dans le livre Heures d’été ou l’envers de l’ombre, ces deux vers, terribles : « Tant de lumière / et le verglas / des âmes » (71)

Car il y a bien, parcourant chaque livre, constante, comme une musique de fond, un sentiment de nostalgie et de perte très fort. Allié à conscience permanente de l’écoulement du temps et de la mort. On pourrait multiplier les citations :  «  Qu’avons-nous fait / du petit tas d’heures / innombrables / du cerf-volant de nos vies »  : qu’ils sont révélateurs des oppositions qui structurent la pensée poétique de Mireille Fargier-Caruso ces quatre vers : la pesanteur et la grâce, l’immensité du temps et sa brièveté, l’élan et le doute. Elle dit aussi « Rien n’allège l’inaccompli » et on peut se demander si ce n’est pas la raison d’être de son écriture et sa visée profonde, sinon accomplir, mais au moins alléger le sentiment de l’inaccompli, lui dresser une petite stèle de mots. Pour qu’il y ait au moins trace de cet inaccompli en lieu et place de la nuit noire de l’oubli. Que le poème soit « une entaille dans la trame du temps ».

J’ai dit déjà l’importance des sensations et je voudrais insister maintenant sur deux points, les odeurs et les couleurs. Celles des villes et de celles des champs. Il y a des pages terribles sur la ville, ses friches, ses banlieues, par exemple dans un tout petit livre de 1991, Contre-ciel.

on a muré les fenêtres

des chiens sifflants
surveillent l’herbe tondue

la vie en flaque
dans les trous des parkings
des mémoires
l’air poisseux des trottoirs
le vent sec des klaxons

plus aucun signe de transparence

à cisailler les liens
les semaines s’écaillent
parmi les passagers
à la voix de silex

(contre-ciel)

Car si elle sait dire la « gaieté rouge des coquelicots », le « jaune des citronniers », le « bleu des faïences », l’ « odeur de sureau après la pluie », elle dit aussi la rouille, le métal, le gris, le monde sans fenêtres. Avec, en véritable leitmotiv dans toute l’œuvre, le mot cendres.

Pour finir avec les thèmes, je voudrais attirer l’attention sur l’étonnant bestiaire que j’ai découvert au fil des pages. Celui des insectes, dont la présence fait songer aux caractères d’imprimerie. Ils pullulent, fourmis, araignées, abeilles, criquets, guêpes et le scarabée qui ouvre ce poème : 

Tu suis du doigt le scarabée
cueilles le rire arrêté sur l’églantine
peu de bruit peu de place
tu vis dans un espace las
où resplendit l’humble force de croire
entre distance et fécondité tu oscilles

où irons après nous
tous nos trésors d’argile ?
sur quels cadastres
à jamais inscrits ?
Demeureront le livre
et ses métamorphoses

(silence à vif)

 

En conclusion de cette courte présentation, je voudrais attirer l’attention sur le couplage, dans toute l’œuvre, de l’abstrait et du concret. Il s’agit d’ « être à vif », i.e. réceptive totalement à l’expérience, au monde, à sa douceur et sa violence, mais aussi se décaler légèrement de cet à vif pour le penser, et le dire. Dans les premiers livres, cela donne lieu à un mélange de ce qu’on pourrait appeler des tableaux, donnés à voir, presque concrètement et mis en regard avec de courts aphorismes. Dans les derniers livres, l’abstrait et le concret sont tressés en permanence l’un avec l’autre, le vocabulaire nomme et pense dans le même mouvement. Et au sein même de ce travail de réflexion qui œuvre dans cette poésie, on retrouve la polarité entre le sentiment de perte, d’inéluctable, de fuite du temps, de présence de la mort dont nous avons parlé, mais aussi cette autre donnée, ce qui peut être son antidote :  la révolte, le refus. En parfaite cohérence avec le parcours de Mireille Fargier-Caruso qui a finalement opté pour « la courbure des voix » (ce qui peut passer pour une belle définition du travail artisanal de la poésie), plutôt que pour la la force des choses.
Dans la petit plaquette De l’horizon éditée par Paupières de Terre, Mireille Fargier-Caruso a placé en exergue cette remarque de Gilles Deleuze « croire au monde, c’est ce qui nous manque le plus ». Elle lui répond par « Il faut bien survivre aux cendres des rêves ». Et ailleurs aussi, ce sera mon dernier mot, qu’il faut « préserver le regard sans lisière /de l’attirance de l’enclos ».
© Florence Trocmé, Paris, décembre 2006

Photos :
Photo 1, quelques livres de Mireille Fargier-Caruso et oeuvres de Christos Makridakis
Photo 2, le peintre Christos Makridakis
Photo 3, de gauche à droite, Florence Trocmé, Mireille Fargier-Caruso

Exceptionnelle soirée d'hommage à Claude Esteban, hier, 14 décembre 2006, à la Maison des Ecrivains à Paris

Partage d’une absence

Se tient actuellement à l’Université Paris X un colloque en hommage au poète Claude Esteban disparu dans la nuit du 9 avril 2006. Dans le cadre de ce colloque, la Maison des Écrivains rassemblait hier soir, jeudi 14 décembre 2006 quelques-uns de ses amis, autour du thème Le partage des mots.

Autant le dire tout de suite, cette soirée fut exceptionnelle. Pour l’émotion, par la qualité des interventions et peut-être surtout par ses intervenants. Ce que Jean-Michel Maulpoix a souligné d’emblée : qui pourrait se targuer aujourd’hui de rassembler, un même soir, à Paris rien moins que Yves Bonnefoy, Michel Deguy, Jacques Dupin, Florence Delay, Jacqueline Risset, Lionel Ray ? Preuve de l’importance de l’œuvre, preuve de la présence de Claude Esteban.
La soirée vit donc alterner les interventions des uns et des autres, souvenirs et lectures, entrecoupées de musique. En effet, entre 2003 et 2005, par jeu (on verra plus loin à quel point Claude Esteban aimait les jeux et l’humour), Alain Lance avait adressé au poète des missives dont l’adresse, sur l’enveloppe, était un quatrain en alexandrins rimés[1]. Une sélection parmi ces quarante quatrains a été mise en musique, jouée et chantée en trois ponctuations de la soirée, interventions enjouées et souvent merveilleusement drôles.

Yves Bonnefoy de sa magnifique voix ouvre ce "partage d’une absence" par une évocation de son amitié avec Claude Esteban. Où, comme tout en cette soirée, l’émotion et la drôlerie rivalisent. Le poète explique que contrairement à ce qui se passe d’habitude, il a un souvenir très clair de sa première rencontre avec Claude Esteban qui était venu lui rendre visite chez lui et qui l’a ensuite accompagné, au travers d’un inextricable encombrement, à un vernissage où il devait se rendre. Première rencontre qui d’emblée a établi leur amitié et sa teneur. Il dresse ensuite par le biais de quelques anecdotes un portrait précis et profond de son ami, évoquant sa mélancolie, d’où jaillissaient inventions et drôlerie. Il évoque ses doutes quant à son œuvre, « Claude craignait de trop devoir à la tradition littéraire », le terrible départ entre les deux langues, la française et l’espagnole et la « crainte térébrante » qui l’habitait et créait chez lui un besoin de démystification, par une parodie de la poésie qui ne signifiait en rien une haine, comme chez tant d’autres, mais un constant retour vers elle. Yves Bonnefoy raconte comment Claude Esteban, en voiture, conduisant à toute allure, se retournait sans cesse vers ses passagers en chantant sur des airs de Mozart des paroles qu’il improvisait ! Il évoque aussi cette mystification d’un jury qui lui attribua un prix pour des récits rédigés par un prétendu navigateur et tous les quiproquos qui s’ensuivirent (Claude Esteban se rendant à la remise du prix, alors qu’il connaissait bien sûr tous les membres du jury, déguisé en écrivain anglophone avec une fausse barbe !).
Puis vient l’évocation de Denise, la femme de Claude Esteban, son amour des maisons : elle en achetait souvent, les retapait, Yves Bonnefoy évoque celles de Berck Plage, de l’Ile d'Yeu, de Lacoste dans le Lubéron. Denise, qui disparaît après des mois d’agonie à la suite d’un accident de bicyclette à l’Ile-d'Yeu. Perte dont Claude Esteban ne s’est jamais remis (Michel Deguy, un peu plus tard, évoquera une rencontre des trois veufs, Jacques [Roubaud], lui-même et Claude Esteban)[2]. « La vague noire passant sur lui qui ne retomba jamais tout à fait » dira Yves Bonnefoy. Claude Esteban se détourna des maisons, il ne décrochait plus le téléphone, il se survivait.

Jacqueline Risset a connu aussi Claude Esteban tout jeune et elle va entraîner l’assistance dans une merveilleuse évocation des années qui ont suivi leur admission respective à l’École Normale Supérieure, Ulm pour Claude et Sèvres pour elle puisqu’à l’époque filles et garçons étaient séparés. Le choc, après les années d’effervescence intellectuelle des prépas, de la rentrée dans un univers gris, celui de leurs Écoles, moment de grande déception qui leur a imposé très vite la nécessité de fuir cette tristesse, cet avenir tout préparé. Première fuite, le théâtre, « Claude tenait le théâtre entre ses mains » , il rassemble un groupe et monte La Cantatrice Chauve d’Ionesco. Elle loue son inventivité mais en même temps sa rigueur et son sérieux dans le travail de mise en scène. Souvenirs désopilants aussi de cette revue que devaient traditionnellement monter les élèves, une parodie de leurs professeurs. Rédaction par Claude Esteban d’un texte, et elle Jacqueline Risset, installée dans une poubelle et jouant le rôle de Jean Hippolyte, grand hégélien et ci-devant directeur d’Ulm ! Une des répliques : « facteur vous êtes la lettre et je suis l’esprit ». Seconde fuite, le cinéma, cinéphilie déchaînée, jusqu’à trois films par jour à la toute proche cinémathèque (Visconti en sicilien avec des sous-titres tchécoslovaques !), les cinémas Cardinet, La Pagode, les Agriculteurs, etc. Troisième fuite enfin, les voyages de vacances et notamment l’Italie où les jeunes normaliens élisent domicile à Montepulciano, « lieu de perfection géométrique du paysage et de l’architecture », où ils aiment se faire prendre pour les enfants du sacristain. Mais tout cela ne constituait pas à leurs yeux une fuite suffisamment importante par rapport à l’École et à leur avenir pré-formaté de professeurs. Claude qui se vouait à l’histoire bifurque vers l’espagnol et elle, Jacqueline, qui se consacrait aux Lettres Classiques se tourne vers l’italien qu’elle connaît à peine [et on sait la suite puisqu’elle est unanimement célébrée pour ses magnifiques traductions de Dante, parmi beaucoup d’autres travaux). Ils travailleront alors lui sur Lorca et Guillèn, elle sur Pétrarque et Leopardi.
Mais elle aussi, ce sera une constante de la soirée, au point qu’elle dressera en fin de compte une véritable image bifrons de Claude Esteban, elle souligne cette « ombre mélancolique ». Elle terminera sur l’histoire de Diaro immóvil[3], ce texte écrit par Claude Esteban après la mort de Denise, en espagnol et qu’il lui demande de traduire… en italien, disant qu’il ne veut ni ne peut le traduire en français (ce qui sera fait plus tard par Emmanuel Hocquard) : traduire en italien pour éloigner ce texte, le baigner dans une autre langue, « le priver de la force de rupture de l’espagnol. »

 

Les autres interventions furent moins évocation du poète que lectures. Par Jacques Dupin de poèmes du livre Fayoum, par Florence Delay de traductions faites par Claude Esteban du « In memoriam » du  poète Cesar Vallejo, parues dans Action Poétique (il faut dire ici comme Jacques Dupin et Florence Delay sont de magnifiques lecteurs et comme le choix des textes qu’ils ont fait était magnifiquement approprié au contexte de cette « veillée d’amis[4] » ). Lionel Ray donne lecture aussi d’un article et d’un texte en cours, sur Claude Esteban et enfin Michel Deguy revient sur une vie d’amitié, marquée par le souci des mêmes choses (poésie, littérature, Université) et en même temps leur extrême différence, montre comment ils se sont passés le relais, notamment à la Maison des Écrivains dont ils furent tous deux directeurs ou à la Commission Poésie du CNL. Il évoque l’admirable traducteur, en particulier de l’œuvre de Paz.

Revenir pour finir sur les interventions musicales. Une chanteuse Liselotte Hamm et un pianiste-chanteur, improvisateur, Jean-Marie Hummel, musique et diction enlacées pour rendre toute la verve des quatrains d’Alain Lance et souligner leur ambiance (désopilante séquence arabisante sur « dans cette rue Daguerre on trouve un bon couscous », alternances de styles, jazz, Berio, Debussy…).

Je me suis surprise à penser que sans doute Claude Esteban aurait aimé cette soirée et qu’en tout état de cause, elle était un reflet fidèle de sa personnalité partagée entre cette mélancolie évoquée par tous, si présente dans l’œuvre et l’humour, la drôlerie de l’homme, en tous cas dans la partie de sa vie qui a précédé la disparition de son épouse.
©florence trocmé

photos :©florence trocmé,  toutes agrandissables par clic sur l'image : de haut en bas :
tous les intervenants à l'exception de Jacqueline Risset qui était tout à fait à gauche avec de gauche à droite Florence Delay, Yves Bonnefoy, Lionel Ray, Jacques Dupin, Michel Deguy
Jean-Michel Maulpoix au premier plan et Alain Lance
Alain Lance
Yves Bonnefoy
Jacqueline Risset
Jacques Dupin
Michel Deguy
Jean-Marie Hummet et Liselotte Hamm.

Claude Esteban dans Poezibao :
Note bio-bibliographique, extrait 1, extrait 2, la disparition de Claude Esteban, extrait 4, Le Matricule des Anges n° 73, hommage de Hassan Sadfari, extrait 5, extrait 6, extrait 7, annonce colloque décembre 2006,

Yves Bonnefoy dans Poezibao :
Note bio-bibliographique, extrait 1, extrait 2, extrait 3, Les planches courbes, extrait 4 (les Planches courbes), extrait 5 (Les planches courbes), le petit feuilleton pédagogique à l'usage des lycéens de Terres de Femmes

Jacques Dupin dans Poezibao :
Note bio-bibliographique extrait 1, extrait 2, extrait 3, extrait 4, extrait 5, extrait 6,

Michel Deguy dans Poezibao :
Note bio-bibliographique, extrait 1, extrait 2 (présentation de Donnant, Donnant et de Le Sens de la visite), intervention au colloque Butor à la BNF (automne 06)

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[1] exemple de quatrain : Plutôt dans l’Ouest parisien habite CLAUDE EST
EBAN, onze rue Daguerre, quatorzième. D’un pas leste
Ô facteur, portez-lui ce pli et mes hommages
Vous êtes plus sûr postier que les Rois mages.
[2] on peut rappeler que les trois poètes ont écrit sur leur deuil et en particulier Jacques Roubaud, Quelque chose noir et Michel Deguy, A ce qui n’en finit pas et que de très nombreuses pages de Claude Esteban font mémoire de la disparition de Denise Esteban
[3] Les textes espagnols sont insérés dans Élégie de la Mort violente, publiée dans le dernier livre paru de Claude Esteban, Le jour à peine écrit (1967-1992), Gallimard, 2006
[4] L’expression est de Michel Deguy

Une soirée Polyphonix à Paris avec Jacqueline Cahen, Jérôme Game, Tibor Papp et Edith Azam

Petite ruelle obscure de Montreuil, aux abords de Paris, entrepôt désaffecté reconverti en lieu de spectacle baptisé La Guillotine, rideaux et tentures déglinguées, un bar, des bancs, du monde : Polyphonix, 42^ème édition.
Polyphonix est un festival de poésie contemporaine directe, une structure nomade inventée par Jean-Jacques Lebel, une association qui depuis plus de 25 ans a présenté des centaines de poètes, explorant les champs de la poésie sonore, visuelle, dans un esprit de mixité des techniques, des langues et des expressions.
Cette édition réunissait Jacqueline Cahen, membre fondateur et très actif de Polyphonix, Jérôme Game, Tibor Papp qui fait aussi partie du comité du festival, Edith Azam et Jean-Michel Espitallier.

Jacqueline Cahen, accompagnée au violon, soutenue, « contrepointée » même par Blaise Merlin a donné deux textes différents, l’un une variation déferlante sur le thème d’une vague, d’une algue et d’odeurs de mer puis un texte-performance Roulé-Glissé, lecture aléatoire de mots imprimés sur un petit rouleau de papier, façon caisse de supermarché.

Jérôme Game qui a vécu en France et aux États-Unis, a collaboré avec de nombreux plasticiens et publié six livres depuis 2000. Lui aussi lit deux extraits, Postscriptum et Flip Book, syntaxe mitée par des inserts, des cut-up, déstabilisante à souhait.

Tibor Papp  qui vit entre Budapest et Paris est peintre et aussi poète du sonore et du visuel : il va en donner une belle démonstration axant sa lecture en deux temps, avec en premier lieu le déroulement spectaculaire d’un immense rouleau de papier et un texte accompagné au métronome, tout en reprises, réitérations, insistances. Sonore sera la seconde performance, très impressionnante, un concerto pour Tche. Tibor Papp explique que « tche » est un son qui n’existe pas en français et qu’il lui a donc dédié ce concerto où se superposent la bande son d’un texte parcouru de « tche » en tous sens et la voix du poète disant sur un rythme très soutenu un autre texte conçu sur le même principe (on peut entendre ce concerto pour Tche sur le site de Philippe Boisnard), truffé de mots étrangers en tche, Tchernobyl explosant à intervalles réguliers, mais aussi Chesterfield, Chicken, Chinatown, etc.

 

Tout autre état d’esprit avec la lecture d’Edith Azam. Maitres-mots : intensité et émotion pour une poésie vécue, traduite dans tout le corps d’une poète « possédée d’écriture ». Applaudie à la fin de chacun des dix poèmes qu’elle a lus et qu’elle a su enchaîner en alternant les poèmes « calmes » et des poèmes âpres, tourmentés, presque violents, hachés, disant la difficulté de vivre, la peur, l’angoisse, la douleur. Savoir que où elle passe, Edith Azam bouleverse le public par l’alliage de ses mots et de la force de leur profération.

Je dois m’excuser maintenant auprès de Jean-Michel Espitallier car je n’ai pu rester jusqu’à la fin de la soirée et j’ai donc manqué sa prestation. 

Edith Azam dans Poezibao :
Note bio-bibliographique, note de lecture de Un objet silencieux, extrait 1, extrait 2, à propos d’Al Dante

photos ©florence Trocmé, de haut en bas, la Guillotine, Jacqueline Cahen, Jérôme Game, Tibor Papp (deux photos) et Edith Azam. Toutes les photos de Poezibao sont agrandissables par simple clic sur l'image

Rencontre avec Henri Meschonnic, le 3 décembre 2006, à Paris

Un poème de la pensée
Une rencontre avec Henri Meschonnic

 

Malgré le temps bien peu amène, une quarantaine de personnes se pressaient au milieu des rayonnages de la librairie Tschann pour entendre ce dimanche 3 décembre Henri Meschonnic raconter sa rencontre sensible et intellectuelle avec la Dame d’Auxerre.
Introduit par Muriel Bonicel, responsable très active du rayon poésie de la libraire (parmi d’autres), il était présenté par Jean-Yves Masson. Sujet du jour donc, non pas la poésie (encore que… !) mais la question de notre perception de l’œuvre d’art et des biais de cette perception.

Un livre d’un genre nouveau
Auteur de 13 recueils de poésie depuis 1972, théoricien de la poésie, critique du rythme, linguiste, grand lecteur de Mallarmé, Hugo, Apollinaire, Mandelstam, etc. Henri Meschonnic* parle une douzaine de langues et s’est lancé dans la traduction de la Bible. Dans le contexte de cette œuvre, il signe avec Le Nom de notre ignorance, la Dame d’Auxerre,  un livre d’un genre nouveau (si l’on excepte un entretien avec Pierre Soulages publié en 2000) : un texte consacré à une œuvre d’art, une méditation sur la Dame d’Auxerre du musée du Louvre, illustrée de quatre très belles photos de Michel Chassat.
Rocambolesque histoire que celle de cette statue / statuette. Datée avec une grande précision du milieu du VII^e siècle av. J.-C., crétoise, elle va faire l’objet depuis son « invention » par l’archéologue Maxime Collignon, en 1908 de discours différents, souvent contradictoires. Je ne m’attarderai pas ici sur l’histoire de cette œuvre mais plutôt sur le travail critique assez époustouflant (et souvent très amusant) qu’elle inspire à Henri Meschonnic. Qui comprend très vite à la lecture de ces écrits contradictoires que « regarder une œuvre d’art, c’est passer à travers les discours qu’on tient dessus ». Et que la vraie critique consiste à conduire une réflexion sur ce qu’on ne connaît pas. H. Meschonnic qui manifeste tout au long de la rencontre un humour réjouissant précise qu’il se pose en philologos, précisant qu’il ne veut pas dire philologue mais « traduit en français courant, emmerdeur, discutailleur ». De cette statue, les savants, dit-il, ne savent pas quoi faire, alors ils inventent un style dont elles serait la seule représentante. En regard, l’attitude de H. Meschonnic qui intitule son premier chapitre « Le nom de notre ignorance ». Car  à propos de la Dame, il pointe qu’on ne sait pas la nommer ni quel statut lui donner « on croit qu’on voit avec les yeux mais ce qui m’est apparu c’est qu’il n’en est rien car pour cela il faut arriver à traverser ce que disent les mots ». Réfléchir sur ce que nous apprennent les discours sur l’œuvre et ensuite s’interroger sur ce « qui se passe dans la sensibilité devant cette œuvre d’art ». Pour cela, il a complété la lecture des discours savants par celle des poètes, en particulier les écrits de Rilke (et son « j’apprends à voir »), reprenant cette autre phrase de Rilke (à propos de Rodin) « ici des mains s’allongent vers l’éternité » pour dire qu’on ne peut mieux parler de la Dame d’Auxerre.

« Notre regard est à la fois de l’histoire et du temps, notre temps »
La Dame d’Auxerre, ses multiples mystères, le contraste entre le bas du corps et le buste sensible, la main aux doigts très longs posée sur les deux seins, un sein légèrement plus haut que l’autre. Quel est le sens de ce geste ? A partir de ces questions et surtout des réponses qui leur ont été apportées, Henri Meschonnic se lance dans un développement sur les notions de sacré, de religieux, de divin, affirmant sa propre vision du sacré comme la fusion entre l’humain et le cosmique. Revenant au poème dont il dira « le poème consiste à ne pas savoir ce qu’on fait », il postule un sujet de l’art. « Les œuvres sont des formes-sujets » ou encore « c’est du sujet qu’une œuvre nous donne à reconnaître ». Chaque œuvre nouvelle transforme notre regard sur les œuvres, elle crée une éducation du regard. L’œuvre d’art est un acte éthique et politique, elle transforme le sujet qui la fait et le sujet qui la reçoit.
Impossible de rendre compte ici de la richesse des propos, les nombreuses digressions ayant toujours étroitement trait au sujet principal. On apprendra ainsi que H. Meschonnic a lu 65 livres sur Spinoza ou qu’il ne pense pas beaucoup de bien de l’expression Arts Premiers. On ne peut que renvoyer au livre si bien édité par Laurence Teper dont Poezibao a déjà signalé deux très belles productions, les Poèmes fluviaux d’Hölderlin et autour de ce même Hölderlin, le texte de Michèle Desbordes, Dans le Temps qu’il marchait.
La discussion s’est terminée par la lecture donnée par Henri Meschonnic (magnifique lecteur) du dernier chapitre de Le Nom de notre ignorance, la Dame d’Auxerre. A mon tour d’en citer pour conclure les tout derniers mots : « Ainsi, c’est un peu de nous-mêmes que nous voyons, que nous aimons dans cette statue. Elle nous renvoie notre image dans la mesure justement où elle nous échappe. Et toute cette réflexion aussi est une offrande à l’inconnu, un geste votif lui aussi, qui refait en paroles un analogue de ce geste, de cette attitude, de ce regard. Je n’ai fait que tenter de tourner autour d’elle, de tenter de dire, avec sa propre part d’inconnu, d’approximations, ce que nous fait l’inachevable de cette statue, peut-être un poème de la pensée ».
©florence trocmé

Le livre :
Henri Meschonnic
Le Nom de notre ignorance, la Dame d’Auxerre
Éditions Laurence Teper, 2006.
isbn :2-916010-11-4, 13 €

 

Titres des chapitres :
Le nom de notre ignorance
Les changements du regard
Situer, comparer
Décrire est un mythe
Le linéaire de l’histoire de l’art
Le double fond de l’historicité
Le perceptible et l’imperceptible
Un geste religieux
L’énigme
La sculpture et les métaphores
Voir à travers le langage, montrer ce qu’on ne voit pas
L’absence de nom


Les photos, ©florence trocmé sauf celle de la statue, ©Michel Chassat
de haut en bas, Henri Meschonnic, la Dame d'Auxerre, H. Meschonnic et Jean-Yves Masson, H. Meschonnic,  J;-Y. Masson.

*Henri Meschonnic dans Poezibao :
Note bio-bibliographique, extrait 1, "Lecture" poétique 2, extrait 2

 

Une lecture de Marilyn Hacker hier, à Paris

Ce 9 novembre 2006, Village Voice, la librairie anglophone de la rue Princesse à Paris,  accueillait la poète américaine Marilyn Hacker à l’occasion de la parution de Essays on Departure en Grande-Bretagne. Un livre qui est à la fois une anthologie, selon le principe des Selected poems en vigueur dans le monde anglo-saxon, mais aussi une nouvelle parution avec des poèmes encore inédits en livre.

Mary Blaine Campbell a introduit la lecture de Marilyn Hacker et a bien voulu me confier son texte dont je propose ici une traduction.

Essays on Departure
par Mary Baine Campbell

 

Il y a beaucoup à dire sur le titre du nouveau livre de Marilyn Hacker : pas seulement en raison de la métamorphose qu’il opère sur la forme de l’essai ou du jeu de mots sur départ*, car les lecteurs de Montaigne, que la poète aime tant, savent de quoi il en retourne.
Pas non plus en raison du mot départ lui-même, qui est la forme par excellence du commencement : nous n’en connaissons pas, pas même la naissance, qui ne soit un départ. « Commence » est en effet le titre du dernier poème du recueil et « commence » le dernier mot qu’il nous adresse

                 Là où le renard a faim, hésite, se fatigue
                 Commence la trace qui conduit les chasseurs à sa tanière

Mais je voudrais dire quelque chose à propos de ce livre-t(r)ou(t)**, avant que ne s’achève le temps qui m’est imparti. Ces derniers jours, je l’ai lu de bout en bout, alors même que j’avais déjà lu chacun de ses poèmes auparavant et pour certains, de nombreuses fois. Ce fut une révélation. On s’imagine en général les Selected Poems comme une sorte de livre de référence : introduction pour le novice, vadémécum bien pratique pour l’aficionado, et pour le critique un regard sans équivalent sur ce que le poète lui même choisirait, s’il devait le faire, dans son œuvre, à ce moment-là. Mais ce livre constitue une expérience en lui-même et j’en recommande la lecture in extenso à tous, en ces jours encore plus sombres que d’ordinaire, où les chasseurs et leurs chiens sévissent plus que jamais, cherchant non pas à célébrer l’intelligence, mais à l’enterrer.

Essays on departure avait une raison supplémentaire d’occuper mon attention cette semaine : j’ai lu le livre, le ventre noué, suspendue aux sondages concernant les élections américaines, de peur qu’elles ne soient volées une fois encore par les forces obscures responsables de la mort et de la dévastation auxquelles ces poèmes se confrontent et dont ils triomphent. Et le livre m’a donné la volonté de continuer, de m’éloigner de tout cela et de recommencer, une fois encore.

« Son siècle requiert tout un lexique*** », dit le magnifique poème « Squares and Courtyards », partant de la Place du Marché Sainte-Catherine pour embrasser entre autres choses la mort de la voisine du dessus, cette centenaire apparue dans maints poèmes, de telle sorte que nous pouvons pleurer sa disparition. « Ah, ah » pensais-je (re)lisant ce vers. Cette tapisserie de significations étroitement tissées ensemble, grouillante comme la Faerie Queene de Spenser mais avec un cœur tellement plus grand, folle de représentations,  avec ses collages incroyablement riches de langue transparente, profuse, est bel et bien un lexique : éclaté, tiré vers l’art, enrubanné, libéré, porté à ce degré extrême de température qui fait qu’une telle poésie demeure une de nos possessions inaliénables : language-poètes [poètes post-avant-gardistes aux États-Unis], faites attention ! Tout y est, tout l’anglais et beaucoup de français mêlés, un gros dictionnaire transformé en épopée, une vision du monde, une Écriture. Et au milieu de tout ça, une cohorte de personnages aussi grande ou plus grande qu’aucun poète américain n’en a gravée dans l’or depuis Whitman. Et un livre de recettes de nourritures exquises, un répertoire de bons vins et  de pinards néanmoins réconfortants, une géographie de lieux remémorés ou imaginaires, une anthologie d’écrivains du monde entier, un délicieux manuel sexuel, le livre des amis -tant d’amis- un précis de métrique, un dictionnaire de rimes sans équivalent dans la poésie américaine, une liste honorifique de sauveurs, de martyrs et de sages indispensables, une histoire du XX^e siècle et du XXI^e siècle naissant, un atlas des rues de Paris, et une introduction à l’œuvre de cinq magnifiques poètes contemporains. Un thésaurus du Tout, oui.
Mais beaucoup plus que cela : le témoignage d’une des vies les plus riches et les plus ardemment vécues et aimées de notre littérature.
    
J’ai terminé Essays on Departure avant que les résultats des élections ne commencent à tomber sur Internet, absolument convaincue que je voulais vivre aussi, quoi qu’il arrive.
Aussi terminerai-je en remerciant la poète pour ce don, à l’aide de ces  mots qui lui reviennent en boomerang, depuis l’un de ses premiers poèmes, « Rune de la Finlandaise »

                 Elle savait parler avec les mains comme les sourds-muets
                 Elle savait gagner les clés de fer de la reine gelée
                 Elle pouvait s’égailler à flanc de colline avec une amie ivre
                 Elle pouvait tresser les vents du monde en unique torsade****

©Mary Baine Campbell – traduction Florence Trocmé

*departure signifie à la fois départ et dérogation, infraction à une règle
**en anglais, jeu de mot très difficile à rendre entre whole, tout entier et hole, la tanière du renard
***traduction de Claire Malroux, in la Rue Palimpseste, Éditions de la Différence, 2004
****j’emprunte ici la traduction du poème « Rune de la Finlandaise » à Jean Migrenne, in Fleuves et retours,Amiot  Lenganey, 1993.

Photos ©florence Trocmé, de haut en bas, Marilyn Hacker, Mary Baine Campbell, Odile Hellier, directrice de la librairie Village Voice en compagnie de Mary Baine Campbell et de Marilyn Hacker, et de nouveau Marilyn Hacker

Les amis anglophones de Poezibao trouveront ci-dessous  la version originale du texte de Mary Baine Campbell

 

Une rencontre avec Ariane Dreyfus, le mercredi 25 octobre 2006, à Paris

C’est à une belle promenade à travers trois livres d’Ariane Dreyfus que nous a invités hier après-midi 25 octobre 2006 Thérèse Dufresne, en présence de l’auteur, dans le cadre des Mercredis du Poètes au François Coppée, à Paris.
Promenade d’autant plus vivante que chacun des trois livres choisis évoque un univers bien particulier que Thérèse Dufresne, dans sa présentation, a su mettre en perspective avec les thématiques dominantes d’Ariane Dreyfus.

Le périple débute par un des premiers livres (paru en 1998, réédité en cette fin 2006 par Tarabuste dans une version revue et corrigée), La Durée des plantes, « écriture suscitant une approche du temps par le dedans de la plante » dans une tentative de « déchirer l’impossible tissu de l’instant ». Immersion dans le végétal : « je suis heureuse dans les plus petites feuilles », mimétisme du végétal et de l’humain, rapport de miroir, parenté entre l’humain et les autres règnes : « notre solitude est un animal qui bouge encore ». Intuitions qu’Ariane Dreyfus étaiera en disant qu’en effet « tout l’interpelle de ce qu’elle rencontre et que les plantes la rassurent, car elles sont l’intermédiaire entre elle-même et quelque chose qui lui fait peur, la terre noire » qui matérialise son angoisse devant la disparation sous toutes ses formes ; et sa conviction que la poésie empêche de tomber dans ce trou. Il s’agit d’ « une seule chaleur / Qui courbe les épines et les garde », vers dont Ariane dira qu’il est emblématique de sa perception du monde : adoucir les épines mais ne pas nier leur existence. 

C’est un tout autre monde qui est évoqué à travers le second livre choisi Une Histoire passera ici. (Flammarion, 1999). Univers du cinéma, univers des westerns, ceux de John Ford en particulier, leur temps immédiat et éternel où ce qui retient le plus la poète est l’évocation de la vie quotidienne des héros. Et c’est encore un autre monde qui structure le troisième recueil dont il sera question, Les Compagnies silencieuses. Ici c’est le monde de la danse qu’Ariane Dreyfus invoque mais il ne faut pas perdre de vue que quel que soit le thème, il est prétexte à explorer les leitmotivs fondamentaux que sont l’enfance, la mort, l’amour, le temps. « L’enfance erre, nous ne savons pas repousser ses retours », l’enfance, son univers, celui que tout écrivain retrouve, transforme, remodèle, ses émotions enfouies, entassées dans le grenier de l’oubli. Évocation des danseurs et chorégraphes Dominique Bagouet ou Dominique Hervieu, contraste des textes tels "Kosovo XX^e siècle" et "Adage", lus par Ariane Dreyfus, d’un côté l’évocation presqu’impossible d’atrocités, de ce camion qui veut écraser l’enfant (« la folie ne peut pas rentrer dans les livres »), de l’autre une suite de pas et de mouvements lents, exécutés sur le rythme d'un adagio, à titre d’exercice dans le cadre d’une répétition de danse : corps torturés, déplacés d’un côté, corps travaillés de l’autre, mais toujours corps.
Ariane Dreyfus clôt les deux heures de ce bel échange en lisant plusieurs extraits de son dernier livre L’Inhabitable, livre de l’amour, du désir et du sexe,  de l’amitié aussi pour le poète Stéphane Bouquet avec au cœur même des poèmes entremêlement de leurs deux voix. Elle termine sur une "anthologie de baisers" car « il n’y a que les baisers qui comptent / C’est pour ma mort ce trésor ».
©Poezibao-florence trocmé

Photos ©florence trocmé, de haut en bas Ariane Dreyfus, Ariane Dreyfus et Thérèse Dufresne et Thérèse Dufresne

Ariane Dreyfus dans Poezibao :
Ariane Dreyfus dans Poezibao : note bio-bibliographique, extrait 1, extrait 2

Une rencontre avec Frédéric-Yves Jeannet à la Maison des Ecrivains, hier, lundi 23 octobre 2006

Il est des évènements que leur rayonnement trop secret ne rend pas détectables par les antennes à spectaculaire de la machine médiatique mais qui  pourraient bien être de ceux dont restera, plus tard, une trace. Et souvent, au milieu d’une assistance allant de maigrichonne à franchement clairsemée lors de rencontres avec des écrivains, je me dis que ce sont ces moments, ces rencontres, ces oeuvres surtout qui peuvent  nous permettre de ne pas sombrer dans le désespoir et le décervelage généralisé (qui n’a même plus besoin d’être voulu autoritairement puisqu’il est engendré par le système).

Alors, oui, la rencontre d’hier soir, lundi 23 octobre 2006, à la Maison des Écrivains à Paris, autour de cet écrivain important, rare et « absent » le plus souvent qu’est Frédéric-Yves Jeannet, fait partie de ces évènements. Il faut en remercier Sylvie Gouttebaron la directrice de la Maison des Écrivains et Carine Toly responsable des rencontres.
Sylvie Gouttebaron qui ouvre la lecture en présentant les différents protagonistes : l’écrivain donc et autour de lui pour le présenter et l’interroger Bertrand Leclair, journaliste à la Quinzaine Littéraire et Robert Guyon avec lequel Frédéric-Yves Jeannet vient de réaliser un très beau livre, aux éditions Argol présentées par Catherine Flohic, leur créatrice.

Rencontrer
Le prétexte de la rencontre est en effet la parution d’un nouveau livre dans la belle série Les Singuliers créée par Catherine Flohic : il s’agit de mêler en un seul ouvrage la vie et l’œuvre, autour d’un dialogue entre un interlocuteur choisi et l’écrivain, un dialogue qui peut embrasser tous les domaines de la vie et de l’œuvre et qui est enrichi de textes (anthologie), de documents (iconographie) pour former un ensemble très vivant (on se souvient du magnifique Jude Stéfan réalisé par Tristan Hordé dans cette collection). Outre le Jude Stéfan sont déjà parus dans la collection un Paul Nizon  et tout récemment un Philippe Beck et donc ce Frédéric-Yves Jeannet, rencontre avec Robert Guyon. Catherine Flohic annonce aussi pour le printemps un Jacques Roubaud, rencontre avec Jean-François Puff.

Puis c’est au tour de Bertrand Leclair, fervent lecteur de F.-Y. Jeannet de présenter l’auteur, évoquant ces premiers textes parus en revue (Minuit) dès 1975 alors que l’auteur n’a que seize ans et le premier livre, Si loin de nulle part, paru en 1985, remarqué par quelques lecteurs seulement. C’est en 1997 avec la publication de Cyclone que F.-Y. Jeannet apparaît vraiment sur la scène littéraire, présence confirmée avec la parution de Charité en 2000, « même geste que Cyclone, combat spirituel (Rimbaud) qui vise à une forme de survie en quête de beauté, étrange et prégnante beauté recousue » et livres construits sur une polyphonie qui « permet d’échapper au piège de l’intime ». Bertrand Leclair revient aussi sur les trois volumes d’entretiens réalisés par l’écrivain avec Michel Butor (à qui le lie une amitié qui remonte à son adolescence), Hélène Cixous (qui est présente dans la salle) et Annie Ernaux et bien sûr aussi sur ce tout nouvel ouvrage réalisé en compagnie de Robert Guyon. Il retrace les grands traits de l’existence, fugue rimbaldienne à 17 ans, départ au Mexique provoqué par la lecture de Malcolm Lowry puis aujourd’hui la Nouvelle Zélande, soulignant qu’ici « textes et vie sont si étroitement liés qu’ils en deviennent équivalents ».

Voyager léger
Vient ensuite un beau moment de lecture où l’écrivain donne les premières pages de son futur livre qui s’intitulera (peut-être !) Voyager léger et qui devrait paraître au printemps 2007 s’il arrive dans ce délai à le ramener des 700 pages qu’il compte aujourd’hui à 350 environ.
Robert Guyon évoque ensuite le projet du livre paru chez Argol : à l’origine une initiative de Catherine Flohic auprès de F.-Y. Jeannet, qui choisira lui-même son interlocuteur auquel il va donner toute latitude de l’interroger dans tous les domaines, aussi largement qu’il le désire. A noter que tout cet échange se fera par le mail et constitue une « véritable aventure littéraire et amicale » et qu’il s’est inventé au fur et à mesure. Les deux hommes se connaissent depuis très longtemps, alors que le tout jeune Frédéric débarquait à Mexico où vivait Robert Guyon, de dix- sept ans son aîné. Relation paternelle au début mais dont R. Guyon montre comment elle s’est inversée par la suite lorsque F.-Y. Jeannet a commencé à publier et qu’il a pu comprendre l’envergure de son œuvre. Robert Guyon va jouer un grand rôle auprès de l’écrivain, lisant les multiples moutures de chaque livre, conservant même certaines versions manuscrites. On découvre en passant que F.-Y. Jeannet illustre souvent ses manuscrits, y collant des photos, des documents divers et c’est l’occasion pour R. Guyon de revenir sur le rôle de Catherine Flohic dans la réalisation du livre, elle qui a trouvé de nombreux documents inédits.
C’est donc un livre « entièrement virtuel », livre des antipodes, les principaux protagonistes étant éloignés de 19 000 kms et échangeant par voie électronique.

De quelques questions
Quelques questions seront ensuite posées à l’écrivain qui lui permettront de revenir sur ses techniques de composition (ce terme est vraiment à mon sens celui qu’il faut employer pour ces livres où la musique joue un rôle majeur) ; sur la nécessité pour lui de trouver une structure, qui fut le Messie de Haendel pour Charité, un cadran d’horloge pour Cyclone et qui est un calendrier sur 25 ans pour Voyager léger, structures qui lui permettent de monter ensuite les diverses éléments, souvent fragmentaires et issus de sources différentes, déposées dans de véritables « strates de temps ».
Avec une insistance constante sur la pénibilité du travail d’écriture, passés ce que Bertrand leclair appelle des « épiphanies », moments de surgissement heureux mais qui doivent être repris dans un travail de composition extrêmement douloureux et difficile. Où surgit un « personnage » important des récits, la malle noire où sont entreposées toutes les sources de la composition, carnets et écrits de diverses époques qui sont ensuite réécrits et combinés en un vrai travail de « couture, de superpositions des temporalités »
Je laisse la conclusion, didactique et nécessaire, à Robert Guyon qui revient sur le livre d’entretien disant qu’il peut être une belle introduction à l’œuvre pour ceux qui ne la connaissent pas encore mais révéler beaucoup de choses à ses familiers.
©Poezibao

Photos ©florence trocmé, de haut en bas Frédéric-Yves Jeannet, Sylvie Gouttebaron, Catherine Flohic, Bertarnd Leclair et Robert Guyon puis F.-Y. Jeannet, Bertand Leclair et Robert Guyon. Les photos sont agrandissables par clic sur l'image.

Le colloque Michel Butor à la BNF : aperçus

 

Michel Butor, déménagements : un colloque

Michel Butor, déménagements : tel est le titre de l’important colloque qui se tient actuellement et jusqu’à samedi soir à la BNF, site François Mitterrand. Un colloque sous la houlette de Mireille Calle-Gruber et fruit d’une collaboration entre la Bibliothèque Nationale, l’université Sorbonne Nouvelle Paris III, les groupes de recherche de Mireille Calle-Gruber et de Michel Collot. Un colloque qui se tient en présence de Michel Butor et de « Marie-Jo » son épouse, figure que l’on croise très souvent dans son œuvre.
Je ne pourrai assister à l’ensemble du colloque et en rendre compte ici, mais j’ai pu suivre la matinée d’ouverture déjà très riche. Je vais tenter de donner un petit aperçu de cette richesse en revenant sur les trois interventions de Michel Deguy, Yehuda Lancry et Mireille Calle-Gruber.

Le colloque a débuté par une lecture d’une lettre de Jean Starobinski à Michel Butor, évocation d’une rencontre il y a cinquante ans, un soir de concert du Quartetto Italiano à Genève. Il sera beaucoup question du professeur Butor dans cette belle lettre où Jean Starobinski souligne la grande ressemblance qui existe entre l’enseignement littéraire tel que l’a pratiqué Butor et sa pratique du croisement des œuvres. Évocation aussi du « métier » de Butor, de ses tenues d’artisan ou de monteur-ajusteur parlant de l’écriture comme on parle métier. Au fond une sorte de portrait de Michel Butor en professeur genevois alors que lui-même avait dressé son portrait en « jeune singe ». De cette lettre je retiens aussi cette belle formule : conjuguer l’acuité mimétique et l’élan novateur et l’évocation des frontières et des voyages, si importants dans l’œuvre et sur lesquels vont revenir aussi les autres intervenants.

 

Plaque tournante
Puis Michel Deguy se livre à une intervention assez ébouriffante, d’une densité extrême, émaillée de formules-choc et de pointes d’humour, lui permettant de balayer toute l’œuvre pourtant pléthorique de Michel Butor et d’en évoquer nombre d’ aspects. Lui aussi insiste sur les salopettes de Michel Butor, avec leurs poches mesurées, fabriquées avec du tissu de tous les pays du monde, mais où « l’essentiel c’est le bouton ». En nacre, corne, bois d’olivier, céramique ou plastique vert. Puis c’est le glissement vers un lointain souvenir, un portrait de groupe, qui permet à Michel Deguy de s’interroger sur la notion de génération : évocation d’une rencontre au café L’Espérance, autour de la fameuse collection Le Chemin et où les « cheminots » avaient nom Michel Butor, Georges Lambrichs, JMG Le Clézio, Jean Roudaut, Jacques Réda, Michel Deguy, Jean-Loup Trassard. Ensuite Michel Deguy se livre à une comparaison féconde entre Picasso et Butor, foisonnement du sens et somptuosité des matières. Évocation de tous les genres pratiqués par Butor, romans, soties, poèmes, livrets, répertoires, mobiles, réseaux, cours, à mettre en rapport avec toutes les techniques et matières utilisées par Picasso. Il est question aussi de la stature morale, faite de générosité, d’intensité dans la curiosité joyeuse, de l’engagement, car même si sa maison s’appelle L’Écart, Michel Butor ne s’absente pas de l’époque, il est non pas dans une tour d’ivoire mais plutôt dans une tour de verre : portrait de l’artiste en citoyen du monde, dont l’’éxpérience immense se transforme « médiatement » en œuvre d’art. Michel Deguy saisit le fil du poème dans l’œuvre et démontre la fidélité de Michel Butor à la poésie,  poésie ininterrompue ou plutôt « constamment interrompue et tenacement récidiviste ». Il s’arrête longuement sur le poème Plaque Tournante donné à l’artiste Bertrand Dorny (qui était présent dans la salle), en lisant des extraits, évoquant la cadence du texte, ses listes, ses anaphores litaniques, allant jusqu’à démontrer le caractère pédagogique de la poésie de Butor, le poème Plaque Tournante fonctionnant comme une toupie, invitant à monter à bord du manège, insistant aussi sur le jeu permanent intérieur / extérieur, exotérisme / ésotérisme : « on jure de s’arrêter, on sent qu’on va continuer… Anvers et contre tout ». Michel Deguy termine sur une interrogation sur certaines formes contemporaines de poésie qu’il oppose à l’inventivité butorienne.

Idéologie et politique chez Butor : échographie
Yehuda Lancry est ancien ambassadeur d’Israël en France et aux Nations Unies. Il va s’attacher à sonder l’archipel Butor et sa perpétuelle prolifération pour y détecter ce qu’il appelle les « dérives », pour interroger la pratique des marges, des frontière et du métissage dans l’œuvre. Il ausculte la méfiance de Butor pour l’idéologie dominante et sa volonté essentielle, de transformer la société. Il parle d’une première dérive, « vocationnelle », de la philosophie vers la littérature, s’arrêtant un instant sur l’échec de M. Butor à l’agrégation de philosophie et sur ce qui l’a précédé, un véritable écartèlement entre philosophie et écriture. Les « deux demi-têtes de l’écrivain », celle du philosophe et celle du poète tentant de trouver une conciliation dans le roman. Puis seconde dérive, « païenne », avec le voyage en Égypte au moment de la rédaction du premier roman Passage de Milan, l’Égypte « seconde patrie, presque une seconde naissance », lieu de dérive spatiale, historique culturelle, évoqué dans Le Génie du Lieu, l’Égypte pièce maîtresse de l’opposition de M. Butor aux grands monothéismes, lieu du passage de l’un au multiple, à la pluralité pour « l’ancien élève des Jésuites, pourri de christianisme ». Mais Yehuda Lancry le montrera aussi, se souvenant de ces mots « il y a un humus catholique dans tout ce que je fais ». sans qu’il y ait anéantissement du dogme chrétien,
Y. Lancry s’arrête ensuite sur le décentrement, en tant que conscience de la perte du centre ‘Rome s’est écroulée, Byzance n’est plus », avec le premier voyage en Amérique du Nord en 1960. Importance aussi de la notion de métissage qui déborde les genres, la société. De la marge, puisque selon l’écrivain il n’y a pas de changement possible de l’intérieur de l’institution qu’une telle tentative risquerait plutôt de renforcer, pas non plus de l’extérieur mais plutôt dans la partie médiane où se trouve le plus grand pouvoir de transformation. D’où l’importance du dialogue avec les peintres, les photographes, les musiciens. Et une excitante comparaison avec Moïse, sa mobilité, sa traversée des frontières et des marges. S’arrêtant (ne pas oublier que Y. Lancry est un diplomate) sur les frontières, il lit un magnifique poème de Butor Pluie sur les frontières : « ô pluie, efface pour nous ces frontières, lave nos continents de ces zébrures doucereusement infligées par le fouet diplomatique…. »
Du rapport de M. Butor avec la politique, il montre la complexité, le partage entre la distance, l’écart et en même temps l’engagement, y compris engagement précis comme lors de la signature du Manifeste des 121, les tentatives dans l’écriture pour transformer l’immédiat de l’actualité en durable. Yehuda Lancry termine significativement son intervention par l’évocation du poème Au-delà de l’horizon

Matisse et le « mendiant hospitalier »
Cette belle matinée se terminera dans la lumière de Matisse, grâce à Michel Butor bien sûr mais aussi grâce à l’intervention fervente de Mireille Calle-Gruber. Qui va invoquer autant le peintre que l’écrivain décrit cette fois en mendiant et hospitalier (en un seul mot, dira-t-elle à un moment). Parlant du chant, -il faut peindre comme on chante, disait Matisse-, partant de ce terme un peu oublié, peu appliqué en tous cas à la poésie, usuellement, de cantique. Cantique de Matisse, c’est le titre de ce nouveau livre de M. Butor dont on peut lire des extraits sur son site (car l’écrivain, tout octogénaire qu’il soit a un site Internet, où il publie beaucoup de textes !). M. Calle Gruber qui rappelle que M. Butor ne pose pas les questions, qu’il les « chemine », lui qui dit que la question est son élément, sa terre, le fruit de l’arbre. Et l’importance de « l’attelage avec peintres, photographes, etc. ». Constante dans toute l’œuvre de Butor, qui avance d’expérience, « passe par l’épreuve du texte, forgé à l’enclume de l’autre œuvre », répondant, co-répondant à l’autre œuvre, répondant d’un corps de métier qui n’est pas le sien. Il ne parle pas de Matisse, il parle Matisse. « Caméléonique, l’écrivain mendie toutes les couleurs de sa phrase auprès de la peinture ». Car ici la leçon est celle qui vient de l’atelier, atelier du peintre, atelier de l’écriture. A n’en pas douter une belle introduction donnée ici par M. Calle-Gruber à d’autres interventions au cours de ce colloque, qui vont tourner autour du rapport de Michel Butor avec la musique, avec l’œuvre des peintres, Alechinsky, Bertrand Dorny, projections de plusieurs films, et conclusion avec un concert butorien-beethovénien, puisque Michel Butor donnera son texte Dialogue avec 33 variations de Ludwig van Beethoven sur une valse de Diabelli en symbiose avec le pianiste Jean-François Heisser (samedi soir, à 17h30, Grand Auditorium de la BNF, site François Mitterrand à Paris).
©Poezibao

Michel Butor dans Poezibao (on peut y lire notamment le premier Chant du Cantique de Matisse, extrait 10)
Note bio-bibliographique,
extrait 1, Regards, regards, ouvrez les yeux / tournez autour….
extrait 2, Trio, dans les touffes de baiser, le palais des coquilles
extrait 3, Des échelles se dressent entre échafaudages et démolitions
extrait 4, Exclamations renversées Une feuille qui vient d’atterrir / près de ma semelle
extrait 5, Hamlet 2 Où me conduis-tu / parle
extrait 6, Actualités Le journal quotidien / est comme une fenêtre
extrait 7, Catalogue des jarres 1. Pour conserver les olives
extrait 8, FRANKLIN un couple de bobolinks….
extrait 9 (Seize Lustres), Certains d’entre nous réussissent / à s’en aller au fil de l’eau
extrait 10, Dans les jardins /  dans les écoles et premier Chant du Cantique de Matiss
annonce édition œuvres complètes à La Différence, rencontre avec Michel Butor à la librairie Compagnie (mars 06),
exposition à la BNF (été 06), visite de l’exposition à la BNF,
fiche de lecture de Don Juan en Occitanie (avec Colette Deblé 

La critique de la poésie est-elle possible ?

« La critique de la poésie est-elle possible ? » : un tel intitulé avait de quoi attirer Poezibao qui bien évidemment se pose la question chaque jour ! Non seulement lorsqu’il s’agit de rendre compte d’un livre, mais aussi par l’immense question des choix éditoriaux. Que publie-t-on par exemple, comment organiser le contenu du site, faut-il tout mettre sur le même plan ?
La rencontre en fait était surtout une présentation, très intéressante, de la revue du centre international de poésie de Marseille, le CCP. Elle réunissait, dans le cadre des débats du Salon de la Revue, ce samedi 14 octobre 2006 à Paris, Josée Lapeyrère, Jean-Pierre Boyer (éditions Farrago), Jean-Marc Baillieu, Jean-François Bory, Xavier Person autour de François Lespiau, tous membres du comité de rédaction de la revue.

Le CCP
Alors donc, quid du CCP ? Cahier critique de Poésie, c’est un gros pavé d’environ 300 pages qui paraît deux fois l’an et qui est très attendu dans les chaumières poétiques. C’est que la visée du Cahier Critique est de balayer tout, je dis bien tout, ce qui a paru dans les six mois précédant la parution et qui relève du genre Poésie (la question n’a d’ailleurs pas été posée, j’en prends soudain conscience, des moyens de délimiter ce champ) : livres, mais aussi revues, CD, DVD, sites Internet, etc. Quelques chiffres donneront la mesure de l’enjeu : 200 à 250  chroniques dans chaque numéro, rédigées par environ 80 rédacteurs différents.

Il s’agit donc on l’aura compris de tenter de donner une vue exhaustive, deux fois l’an, de tout ce qui est paru. Ce qui ne va pas sans poser quelques questions, aux membres du comité eux-mêmes, puisque Xavier Person pense que cette visée d’exhaustivité correspond bien à l’esprit d’une époque qui a du mal à faire des choix tandis que Josée Lapeyrère souligne à quel point le CCP lui a permis de faire des découvertes, qu’elle n’a pas envie d’être toujours « avec des têtes d’affiche » et que cette exhaustivité peut être un bon moyen de détecter les œuvres vraiment novatrices. Pour elle le critique est surtout un passeur, quelqu’un qui transmet, qui présente aux autres. Chacun avec son style et ses outils, didactiques, subjectifs, philosophiques, etc.

Question sans réponse
Ce débat d’une heure à peine n’a bien sûr pas permis de répondre à la question cruciale de son intitulé ! Mais il a mis en évidence les pratiques et les choix d’une revue qui est sans doute la seule de son genre, dans le monde des revues poétiques. Car si le CCP consacre toujours un dossier à un auteur, son objectif est de porter un très grand nombre de livres et revues à la connaissance des professionnels mais aussi des amateurs de poésie, qui ont parfois bien du mal à s’informer de parutions dont le moins qu’on puisse dire est qu’elles en font pas la Une des médias.

Photos ©Florence Trocmé
Elles peuvent toutes êtres agrandies par simple clic sur la photo.
En haut Jean-Pierre Boyer, Josée Lapeyrère et François Lespiau
Au centre, les mêmes accompagnées de Jean-Marc Baillieu et Xavier Person
En bas, Josée Lapeyrère et Jean-Pierre Boyer

voir le sommaire du nouveau CCP, le numéro 12